Doré

Le titre de l'exposition actuelle de l'artiste nigériane-américaine Wura-Natasha Ogunji à New York à la Fridman Gallery, "Cake", ne pourrait pas être plus parfait : il porte le nom d'un dessin de l'artiste Youmna Chlala qui présente une structure semblable à une ville partiellement recouverte de couches de blanc ; ce travail, Ceci est un gâteau, pas une ville, a maintenant donné naissance à d'autres dessins d'Ogunji, un admirateur de Chlala.

Ogunji a créé ses nouvelles œuvres en utilisant du fil, du graphite et de l'encre sur du papier calque, la majorité d'entre elles à Paris, où l'artiste basée à Lagos fait une résidence. Le programme lui a donné l'opportunité d'apprendre, d'explorer et d'expérimenter, et de faire des recherches sur les textiles, la couture, la dentelle et la broderie, qui ont tous éclairé son nouveau corpus d'œuvres traitant d'histoires ancestrales et de la nature de la mémoire.

Le travail d'Ogunji a déjà été exposé au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, au Palais de Tokyo et au Brooklyn Museum. Elle a participé à la Biennale de Sydney, à la Triennale de Stellenbosch, à la Biennale de São Paulo et à la Biennale de Kochi-Muziris.

ARTnews s'est entretenu avec Ogunji avant l'ouverture de "Cake" à la Fridman Gallery le 12 mai au sujet de sa pratique et de ses débuts en solo à New York.

ARTnews : Pouvez-vous nous dire où vous avez créé cet ensemble d'œuvres et comment cela a affecté les dessins ?

Or-Natasha Ogunji : Je suis en résidence à la Cité Internationale des Arts à Paris depuis novembre dernier. Presque toutes les œuvres de l'exposition y ont été créées. Être à Paris a changé mon processus de plusieurs façons. Venir de Lagos, [la ville la plus peuplée] du Nigeria, un pays tropical, et arriver en hiver était incroyable. En un sens, le froid m'a permis d'hiberner, d'entrer dans la grotte du dessin. J'ai passé beaucoup de temps à dessiner, à coudre et à marquer à l'encre après plusieurs années à penser que j'abandonnerais ma pratique du dessin.

Aller dans les musées, les spectacles, le théâtre était, bien sûr, profondément inspirant, mais c'est surtout l'histoire du textile et de la haute couture en France qui m'a le plus touchée. J'ai suivi quelques cours avec Rebecca Devaney, qui a fondé Textile Tours of Paris, ce qui m'a permis de plonger profondément dans l'histoire, les matériaux et le processus. Et la dentelle, autant d'exemples incroyables de dentellerie.

J'ai aussi appris à faire de la broderie machine libre, ce qui permet de dessiner avec une machine à coudre. Bien que mes dessins soient tous cousus à la main, j'aime la sensation des points faits à la machine à coudre, ces lignes simples. Certaines de ces expériences (et erreurs) apparaissent dans cette exposition.

Comment votre expérience en photographie et en cinéma a-t-elle aidé à constituer cet ensemble de travaux ?

Je dessine sur du papier calque, le genre que les architectes utilisent pour les croquis préliminaires et les rendus. Le papier m'a toujours semblé filmique dans sa translucidité. Il bouge même un peu comme un film entre mes mains ; il a une courbe et une structure spécifiques.

Et la couleur – canari ou chamois – lui donne une présence avant même que je commence à dessiner, donc l'espace du papier est important. Sa langue, un personnage, un lieu. J'y pense souvent comme de l'eau, de la mer ou de la rivière, peut-être. Les images se répètent d'un dessin à l'autre et il y a beaucoup de mouvement dans le cadre. Cela ressemble assez à la création d'une photographie.

Vous avez mentionné dans une interview précédente qu'un nouveau travail commence par une image, une ligne de texte ou un titre qui vous vient à l'esprit, puis vous suivez cela et voyez comment cela se passe. En était-il de même avec ce dernier corpus d'œuvres?

Oui bien sûr. On y trouve des images répétitives dont des coureurs, des personnages de films (Touki Bouki de Djibril Diop Mambéty par exemple), ainsi que des figures composites. Je suis également fasciné par la façon dont une ligne de texte devient l'architecture d'un dessin. Une phrase peut me venir qui détermine alors la forme du dessin. Ce n'est pas forcément une structure littérale, plutôt vibratoire ou sensorielle, mais aussi spécifique au langage de la phrase. Par exemple, le dessin A Normal Day of Love and Brutality.

Quelle est l'histoire derrière le titre de cette exposition, "Cake?"

Le titre vient d'un dessin. Il y a une silhouette qui court et une autre qui sort de leur corps. Ils tiennent quelque chose qui me rappelle un gâteau.

Il y a un dessin de l'artiste Youmna Chlala qui me passionne depuis des années. Il s'intitule Ceci est un gâteau, pas une ville. J'aime l'interaction entre le gâteau littéral et la carte d'une ville, qui je crois est Beyrouth. Je pense aux limites de la connaissance, surtout lorsqu'il s'agit d'un lieu précis, d'un pays ou d'un peuple, par exemple. Il y a du gâteau et il y a une connaissance approfondie. Une connaissance approfondie ne peut être décrite en quelques phrases ou paragraphes, ni même dans une déclaration d'artiste. Je peux faire semblant de vous dire de quoi parle le dessin, mais ce qui est encore plus important, c'est votre propre expérience et votre connexion.

Dans quelle mesure diriez-vous que votre pratique a évolué au fil des ans ?

C'est définitivement une spirale - exploration et expansion de nouvelles images et de nouveaux matériaux, et un retour constant aux formes de fabrication antérieures. Parfois, j'ai l'impression de refaire le même dessin encore et encore.

Que pouvez-vous partager sur l'installation de threads spécifiques au site ?

Je voulais faire un dessin dans lequel on puisse entrer ou des lignes qui suggèrent un espace, quelque chose d'englobant. Je m'intéresse de plus en plus au fil lui-même, à ce que je peux dire ou évoquer avec ces simples lignes dans l'espace.

Trouvez-vous libérateur de pouvoir créer le travail que vous voulez, pas nécessairement ce que le marché veut soi-disant ?

Toujours. Mais n'est-ce pas la nature d'être un artiste ? L'art est infini ; le marché va et vient.

Pouvez-vous nous parler des premières œuvres vidéo qui seront présentées dans la galerie et de la décision de les inclure dans cette exposition ?

Les vidéos font partie intégrante de ma pratique créative. Ils parlent de mes intérêts permanents pour la terre et le corps, ce que nous portons, les marques que nous laissons, la présence et la liminalité, les traversées et l'arrivée. J'aime la façon dont ils parlent avec ce corps de dessins.