Les meilleurs albums de 2023 jusqu'à présent

Chaque décembre, les écrivains de Treble proposent une célébration commune de la musique qui a résonné en nous tout au long de l'année. Mais six mois avant cela, nous aimons proposer un rapport d'étape sur la musique qui nous a menés à mi-chemin. Avec le point médian de 2023 dans quelques semaines à peine, ce moment est arrivé.

Notre liste des meilleurs albums de 2023 n'est pas classée - alors que nous regardions les 34 albums que nous avons le plus aimés au cours des six derniers mois (à quelques semaines près), nous avons simplement choisi de les mettre par ordre alphabétique. C'est une chance de se laisser prendre et de se gaver d'un lot de favoris récents, ce qui est une aussi bonne raison de le faire que n'importe quelle autre.

Associer Backxwash et Billy Woods pour le premier single explosif "Bite Back" a été la première indication qu'Alger préparait quelque chose de grand avec son quatrième album. SHOOK s'est avéré être énorme. Leur plus long album à ce jour, et avec un casting incroyable de collaborateurs (Zack de la Rocha ! Samuel Herring ! Big Rube !), SHOOK trouve le groupe dirigeant son écriture post-industrielle hantée à travers le hip-hop, le jazz et le collage sonore, exploitant la joie, la douleur et la communauté à travers une déclaration go-for-broke qui ressemble à leur déclaration la plus unifiée malgré la largeur de celle-ci. C'est un album qui prend quelques écoutes pour être complètement absorbé, mais une seule pour vous faire ressentir quelque chose. -Jeff Terich

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Love in Exile s'oppose à la plupart des principes d'improvisation du jazz. C'est délicat plutôt qu'explosif, immersif plutôt que performatif et, plus important encore, valorise le lien tacite entre les membres du groupe plutôt que de les mettre en valeur. Le jazz est autant une question de coopération que de compétition amicale ; pousser vos camarades de groupe pour que leur étoile puisse briller plus fort. Aftab, Iyer et Ismaily évitent collectivement les projecteurs sur Love in Exile, jouant avec un accord tacite pour prospérer dans l'humilité. Leurs pièces sont clairsemées et évocatrices, comme si elles se mettaient au défi de voir qui peut laisser une empreinte aussi petite que possible. En réalité, ce n'est pas la musique qui anime le disque, mais l'alchimie entre le trio. Cela vous laisse impressionné par la compatibilité de trois personnes sans partager un seul mot. –Colin Dempsey

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Furling de Meg Baird semble remarquablement familier, avec des mélodies en spirale et des textures chaudes si immédiates qu'elles semblent exister en dehors du temps. Le dernier de Baird est un pivot intentionnel vers une écriture de chansons plus directe. La joueuse d'Espers et Heron Oblivion écrit avec un objectif plus clair que l'ambiance spectrale qu'elle a créée avec la harpiste Mary Lattimore sur Ghost Forests en 2018. Fortement influencée par le partage d'un petit espace domestique avec son collaborateur et partenaire, le guitariste Charlie Saufley, Furling est une célébration de la maison, méditant beaucoup sur la centralité de la musique dans la vie de famille. Il y a un élément pastoral dans la formule à dominante pop de Baird, ce qui en fait l'une de ses collections les plus accessibles à ce jour. "Star Hill Song" est le type de chanson qui vous convainc de voir Furling à travers, "Will You Follow Me Home?" vous rendra heureux de l'avoir fait. Ces chansons se fondent aussi brillamment qu'elles brillent d'elles-mêmes. Le dernier de Meg Baird est un incontournable. –Patrick Pelch

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Un groupe londonien peu pressé qui partage son nom avec une chanson de Pulp et qui a précédemment sorti de la musique sur le label World Music de Dean Blunt, bar italia relie le passé pas trop lointain de la musique britannique à une brume contemporaine. Leurs débuts chez Matador Records portent un certain nombre de signifiants du début des années 90 - baggy, shoegaze, slowcore - sans être définis par eux, les performances instrumentales du trio fonctionnant toujours comme un tout complémentaire, chaque morceau s'enroulant et s'entrelaçant dans un groove lo-fi hypnotique. Le groupe évoque avec succès un air de mystère sans le survendre via des gadgets ringards, juste un ensemble de chansons merveilleusement austères et froides avec une lueur brillante émanant de leur noyau. -Jeff Terich

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Après avoir fait un détour par la création d'un disque folk brillant avec The Body, Big|Brave est de retour pour sortir un drone/post-métal émotionnellement dévastateur. Nous avons écrit avec enthousiasme sur ce disque et pour une bonne raison : alors que le travail axé sur les drones peut souvent sembler opaque pour certains auditeurs, Big|Brave a l'étrange capacité de couper à travers le bruit et de trancher profondément dans votre cœur, leur son hérissé de désir. et souche, comme une rivière qui coule. Le lien avec la musique folk sur la nature morte s'est transformé en un substrat chimique, perceptible quand on sait le chercher, mais autrement confortable à s'attarder en arrière-plan, ce qui en fait leur disque le plus puissant à ce jour. – Langdon Hickman

En savoir plus:La catharsis globale de Big|Brave

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Cet écrivain a eu la chance d'assister à l'un des concerts de Black Country, New Road l'été dernier, où huit de ces neuf nouveaux morceaux ont fait l'objet d'une sortie. Des extraits de l'ensemble se sont frayés un chemin dans mes rêves et y sont maintenant fermement ancrés grâce à la sortie de cette formidable collection live. Sa musique est plus ciselée, complexe et théâtrale que la percée du groupe Ants From Up There. Il y a des moments de vraie beauté ("Turbines/Pigs" est d'une beauté à couper le souffle) ainsi qu'une fantaisie baroque (la fantaisie pastorale "The Boy") qui réaffirme la place de BC, NR comme l'un des actes les plus audacieux et excitants à sortir du Royaume-Uni depuis de nombreuses années. –Tom Morgan

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Sur un plan purement esthétique, l'évolution de Bully a été progressive, mais en termes d'écriture de chansons, l'acte grunge-pop de Nashville a grandi à pas de géant. Le quatrième album d'Alicia Bognanno, Lucky For You, est à la fois le plus aventureux et le plus émouvant, abordant la blessure non cicatrisée d'un véritable chagrin et apprenant à s'aimer même lorsque les autres hésitent à le faire. Dans le processus, cependant, Bognanno profite de chaque occasion pour ajouter un virage à gauche stylistique, que ce soit en augmentant son regard sur "Hard to Love" ou en supprimant les grands arrangements rock pour une ballade clairsemée et époustouflante sur "Ms. America". Que cela sonne toujours si distinctement comme Bully tout en ouvrant de façon spectaculaire ce que cela comprend est ce qui fait de Lucky For You un tel triomphe. – Jeff Terich

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Debby Friday, de Toronto, n'est pas une nouvelle artiste en soi, ayant sorti deux excellents EP et une mixtape en 2018 et 2019. Mais GOOD LUCK, son véritable premier album, semble être une réintroduction nécessaire à ses prouesses artistiques éclectiques. Friday creuse un tunnel entre la discothèque et le donjon gothique, insufflant du rap industriel au blues, construisant une déclaration cohérente à partir de parties apparemment contradictoires qui fonctionnent dans une harmonie étrange et cacophonique. Il faut une certaine confiance pour juxtaposer une pulsation menaçante comme "Hot Love" à la pop euphorique de "So Hard to Tell", mais Friday est une présence imposante, trouvant toujours l'harmonie dans ces contradictions. Dans " Pluto Baby ", elle déclare : " C'est le paradis / C'est l'enfer ". Et elle a raison. -Jeff Terich

En savoir plus:Harmony in Dissonance de Debby Friday

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Après la mort d'Andy Fletcher, membre de longue date de Depeche Mode, Dave Gahan et Martin Gore retrouvent le genre d'investissement émotionnel captivant que le groupe avait capturé pour la dernière fois sur Ultra en 1997. Memento Mori est l'un des albums les plus forts de Depeche Mode depuis des années, canalisant leurs sommets des années 90 (qui étaient des sommets sous-estimés, bien sûr), mais plutôt que l'introspection alimentée par la drogue de l'époque, ils offrent une méditation sur le chagrin. Il est canalisé dans les grooves et les mélodies de ces chansons, donnant vie au baryton croon de Gahan tandis que Gore reprend sa guitare. Sombre et urgent, Memento Mori rappelle le genre de pouvoir que Depeche Mode a présenté pour la première fois il y a plus de trois décennies. –Wil Lewellyn

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Leon Michels, d'El Michael Affair, est l'un des producteurs préférés de Black Thought. Il crée des productions chaleureuses et lo-fi lourdes de fond, inventées par Michels comme "l'âme cinématographique". Quelle meilleure toile pour Black Thought, l'un des cinq meilleurs animateurs de tous les temps, pour tisser ses histoires, ses récits édifiants et ses films à réaliser ? Glorious Game est un projet collaboratif entre les deux artistes fondateurs qui conquiert le temps, Kodachrome les vies passées et les expériences des meilleurs de Philly au micro, tandis que Michels garde cette âme de kick-drum déployant dem blues pour que Tariq en témoigne. C'est un matériau de premier ordre, démontrant comment le hip-hop s'améliore avec l'âge. Depuis que nous n'avons plus Biggie, Phife, Dave de De La Soul et tant d'autres, Black Thought porte le drapeau, et à 51 ans, le mec ne fait qu'effleurer la surface. Notez mes mots : j'écrirai à nouveau sur ce disque à Noël. – Jean-Paul Shiver

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Radical Romantics nous a apporté à la fois une réunion de The Knife (en quelque sorte) et deux collaborations entre Karin Dreijer et Nine Inch Nails, et pourtant, ces événements qui font autrement la une des journaux sont toujours à la hauteur de la vision globale de Fever Ray. Plus discret que Plunge de 2017, Radical Romantics fait la transition de la célébration animée de la sexualité queer de cet album vers quelque chose de plus tranquillement intime. Avec un ensemble d'arrangements électroniques qui abritent des couches qui se déroulent lentement et se révèlent avec le temps, Karin Dreijer offre un disque plus personnel que d'habitude tout en évitant les projecteurs aveuglants. Ce n'est peut-être qu'un aperçu, mais c'est peut-être le plus que nous ayons jamais vu derrière le masque. – Jeff Terich

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Le grain impressionnant qui explose du GEL du New Jersey fait de Only Constant l'un des meilleurs albums hardcore de cette année encore en développement. Le groupe n'essaie pas nécessairement de réinventer la roue, mais ajoute ses propres fioritures uniques le long de chemins entrelacés tracés par des groupes comme GISM et les Plasmatics pour mettre en avant une expression honnête de la colère. Dans un monde plus proche de la guerre que la plupart d'entre nous ne veulent l'admettre, cet album a été le majeur sonore dont j'avais besoin. Leurs proclamations à gorge tranchante de destruction créative sont possédées par une clarté brute de but face à des guitares à tir rapide qui attaquent l'auditeur avec une propulsion métallique. –Wil Lewellyn

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Dans le communiqué de presse de leur troisième album, le groupe hardcore australien Geld "n'offre aucune promesse d'un objectif ou d'une résolution plus élevés". Cela résout un problème auquel sont confrontées de nombreuses versions du genre; leurs intentions sont obscurcies par un bruit gratuit. Le message de Geld est que leur musique ne sert aucun objectif supérieur et peut être prise au pied de la lettre. Et quel visage ils ont ! ressemble plus à un sanglier brûlé par le soleil qu'à un mosh au cou épais. En pratique, cela signifie que Geld varie ses tempos, augmente le fuzz de sa production et joue avec les sons non musicaux que ses instruments peuvent produire. Ainsi, Monnaie//Castration est paradoxalement cohérente et chaotique, parfois en lutte avec elle-même car les aspects qui devraient rebuter sont lisibles. Heureusement, les deux côtés de cette équation sont en harmonie l'un avec l'autre, cimentant Currency // Castration comme l'un des meilleurs disques hardcore violents de l'année. –Colin Dempsey

En savoir plus:Le hardcore sans règles de Geld

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Jouant comme une fusion de Love Streams et de son chef-d'œuvre impeccable d'un double album avec Konoyo/Anoyo, No Highs se situe à la frontière entre l'ambiant minimaliste soutenu par la techno et le travail de scène orchestral. Ignorez le mot "ambiant" sur l'étiquette ; c'est beaucoup trop cinématographique et symphonique pour que ce nom ait beaucoup de sens, étant plutôt quelque chose de plus proche d'un coup de cœur. Je lis normalement en écoutant des disques mais celui-ci, en rugissant dans mes oreilles, m'a plusieurs fois obligé à fermer le livre, à fermer les yeux et à plonger dans ses océans. – Langdon Hickman

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Appeler Scaring the Hoes "croustillant" est un compliment de premier ordre. Peggy et Brown avaient déjà collaboré sur "Negro Spiritual" de l'album de Brown en 2019, uknowhatimsaying¿, mais ce morceau était, tout bien considéré, apprivoisé. À l'inverse, Scaring the Hoes est le plus "Danny Brown" que Danny Brown ait sonné depuis un moment, une équipe de démolition ambulante d'hédonisme et de fous rires. Pendant ce temps, JPEGMAFIA est l'homme hétéro, contrant la démesure de Brown avec des couplets dont les doigts sont enfoncés dans le pouls des références Internet et des échantillons de lutte professionnelle. Il a tendance à adapter ses rythmes à ses collaborateurs, ce qui signifie qu'il a une tonne à jouer grâce à l'empressement de Brown. Que ce soit "Fentanyl Tester" et ses rythmes de club de danse ou les breakbeats laçant "Jack Harlow Combo Meal", vous pouvez entendre la joie de Peggy de travailler avec quelqu'un qui répond "oui" à chaque idée absurde. –Colin Dempsey

Les premiers singles que Kelela a sortis avant Raven suggéraient que les impulsions électroniques de Kelela penchaient vers les classiques - la house et les breakbeats des années 80 et 90, les premières cultures rave et underground. C'est en partie vrai, mais même en reconnaissant des générations d'influence noire et queer dans le façonnement de la musique électronique, Kelela le fait avec un œil tourné vers l'avenir. Dès l'ouverture "Washed Away", c'est comme si Kelela ouvrait un portail vers demain, ponctué d'éléments d'électronica vintage mais présentant une utopie dancefloor où la joie et la mélancolie se voient toutes offrir la même prescription BPM uptempo. Belle, riche en atmosphère et nocturne envoûtante, Raven ressemble au genre de nuit que vous ne voudriez jamais terminer. – Jeff Terich

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Il est sûr de dire qu'aucun d'entre nous n'est entré en 2023 avec des attentes de mécréants de drone-metal disparus depuis longtemps Khanate revenant avec leur premier ensemble de nouvelles musiques en 14 ans, mais ce fut une agréable surprise de les entendre faire exactement cela. De plus, To Be Cruel, la première nouvelle musique du groupe depuis 2009, est leur album le plus fort à ce jour. Toujours hanté par les apparitions et les antagonistes de leur travail passé, le groupe trouve un équilibre plus intéressant entre l'abrasion pure et l'improvisation plus exploratoire, inspirée du jazz, comme leurs pairs et successeurs de Sumac. Massif, imprévisible et bizarre comme seul Khanate peut l'être, To Be Cruel renforce le fait que même une version réunie du groupe ne connaît qu'une voie à suivre. – Jeff Terich

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Le premier album de Yazmin Lacey, Voice Notes, est une exploration autoréflexive du moment où l'appel vient de l'intérieur. Le carnet de croquis numérique, créé avec les beatsmiths David Okumu, Melo-Zed et JD. Reid, couvre une heure - un cycle de 14 chansons - permettant à Lacey de se tortiller avec charme dans ces eaux spacieuses de la musique R&B adjacente qui pousse Betty Carter, Carmen McRae, Badu, Lauryn Hill et Sister Nancy dans les futures propriétés de la musique noire. Toujours la chanteuse décontractée, moins c'est plus, enfin, nous obtenons tout le génie qu'elle a annoncé à travers les EP au cours des cinq dernières années. Elle raconte la philosophie de l'artiste de musique électronique selon laquelle la conscience de soi est un tueur de créativité dans l'intro de l'album, "Flylo Tweet", tandis qu'un arrangement de rythmes plus cool que vos meilleurs claque dans le vent derrière ses mots.

"Pass It Back", mon préféré (je suis sûr que vous aurez le vôtre), swingue avec attitude, funkin' pour les gens, comme quelque chose que Kaidi Tatham utiliserait pour commencer son DJ set. Yazmin laisse échapper une vapeur confortable de sa psyché, puis invite tout le monde à descendre dans le jam adjacent à Sade en créant la bonne atmosphère. Ça donne envie de groover jusqu'au lever du soleil. – Jean-Paul Shiver

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Sur leur premier album non conventionnel et intense, Mandy, Indiana de Manchester offre une marque de noise rock brûlante et abrasive, enveloppée d'électronique et de techniques d'enregistrement atypiques. Emmené par les tuyaux cinglants de Valentine Caulfield scandant des polémiques gauchistes en français, le groupe mêle batterie tonitruante, synthés industriels et guitares tranchantes avec une fureur absolument formidable. Les chansons de I've see a way présentent un niveau sublime de sens de l'écriture de chansons, car le volume, la puissance et l'intensité sont maniés avec une précision tactique. C'est de l'innovation sans faux-semblant, de la créativité sans affectation, de la sincérité sans naïveté. – Adam P. Newton

En savoir plus:Mandy, Indiana veut secouer tes os

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Erin Birgy est l'un des auteurs-compositeurs-interprètes les plus distinctifs de la dernière décennie, injectant des doses d'honnêteté inébranlable et douloureuse dans l'abstraction poétique et les arrangements art-pop tout aussi abstraits. End of Everything le joue un peu plus directement sur ce front, rendant ses mélodies complexes dans des chansons new wave plus directes et plus directes, lavées dans des tons de synthé radieux tandis que Birgy réfléchit sur des expériences vécues dégoulinant à la fois de douleur et d'espoir. Le titre suggère quelque chose de beaucoup plus sombre, et bien qu'il y ait plus qu'assez d'anxiété et de défaite pour tout le monde, la beauté de End of Everything est un phare de lumière en soi - un rappel de la grâce que nous pouvons encore trouver même dans un monde aussi cruel. . – Jeff Terich

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La qualité déterminante de Dogsbody, le premier album du groupe de noise rock new-yorkais Model/Actriz, est son caractère physique. Leurs textures de guitare hurlantes refluent, déferlent et palpitent, équilibrant à la pointe de la violence et de l'érotisme, le chanteur Cole Hayden est pris quelque part entre l'extase et l'effondrement total. Ce n'est pas une écoute confortable - encore une fois, qu'est-ce que le noise rock est-il? Mais ce qui sépare Dogsbody d'un groupe comme Chat Pile, c'est leur capacité à transférer cette physicalité non pas strictement aux viscères mais aux reins, avec une immédiateté qui semble un peu bizarre, un peu fausse même, mais extrêmement amusante et révélatrice malgré, ou peut-être même à cause de ça. – Jeff Terich

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"Synth-punk" est un terme nébuleux, qui évoque des images d'expérimentateurs d'autrefois plutôt que des actes vitaux sur la scène hardcore contemporaine. MSPAINT est solidement ancré dans la scène américaine florissante (leur label Convulse a également sorti cette année des sorties meurtrières comme Gel et Gumm) mais est le seul grand groupe à utiliser des synthés gluants et colorés au lieu de guitares abrasives. Les idiosyncrasies ne s'arrêtent pas là. Sur leur passionnant premier album Post-American, les paroles de MSAPAINT adoptent une perspective radicalement positive, épousant l'optimisme et les possibilités de l'avenir. Les dernières lignes de "Titan of Hope", à moitié rappées/à moitié aboyées par le leader Deedee, présument de la perspective rafraîchissante de Post-American : "mon état d'esprit est un titan d'espoir / allez !" –Tom Morgan

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WOW se déroule dans la destination touristique numéro un de 2023, un lieu sans objets tridimensionnels, rempli uniquement des couleurs les plus vives et où la fantaisie est la langue maternelle. Il est plus facile de décrire le dernier album de Kate NV avec des descripteurs aussi fragiles car il va à l'encontre du langage musical conventionnel. Cela ressemble plus à un lieu qu'à un album puisque sa palette étincelante est mieux adaptée à la détente qu'à la progression, se joue comme un menu principal de jeu vidéo, vous invitant à participer à tous les hijinks qu'il a dans sa manche, abrite des histoires de fruits qui se déroulent de brouettes (comme c'est idiot !), d'hymnes célébrant l'ambivalence ("dd don't") et de défilés comme une balle qui rebondit sur un court de squash. C'est, tout simplement, un soulagement. –Colin Dempsey

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Le sixième album de Paramore, This Is Why, est une collection de 10 chansons qui dégagent chacune le genre de musicalité décontractée et confiante qui ne peut être arrachée qu'à un groupe qui sait exactement ce qu'il veut faire et précisément comment le livrer. L'enthousiasme pour leur métier transparaît à travers chaque groove de basse, chaque riff de guitare balbutiant et chaque frappe décalée du charleston, créant des chansons allant du délicat et onirique "Crave" au plus agressif "The News", qui pourrait juste à propos de s'adapter à Riot ! si quelqu'un a joué avec la distorsion. Cela ressemble à l'album que Paramore a construit tout au long de sa carrière, mais encore plus inspirant, c'est l'album dont, jusqu'à récemment, Paramore ne se rendait pas compte qu'il était capable. –Ed Brown

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Pile s'est imposé comme une force de gauche dans le rock indépendant et le post-hardcore grâce à des albums comme Dripping en 2012, mais plus d'une décennie après ce début de carrière, Rick Maguire et sa compagnie s'éloignent de plus en plus de la musique rock et punk conventionnelle - pour effet spectaculaire. Cela fait un moment que le groupe n'a pas fait quelque chose que l'on pourrait appeler "simple", mais sur All Fiction, l'influence de métamorphes musicaux comme Björk imprègne leur sens de l'atmosphère. Menaçant parfois de devenir un album pop électronique ou ambiant juste à temps pour un apogée rock tonitruant, All Fiction is Pile en tant qu'iconoclastes art-rock, faisant tourner certaines de leurs compositions les plus mémorables à partir de parties improbables et devenant la version la plus forte d'eux-mêmes à ce jour. – Jeff Terich

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Les anciennes villes industrielles du Royaume-Uni produisent du doom metal incroyable : Black Sabbath, My Dying Bride, Godflesh, Iron Monkey. Ajouter à cette liste Cochons Cochons Cochons Cochons Cochons Cochons Cochons, de la ville portuaire nord de Newcastle. La vision du groupe sur le genre est joyeusement amusante, une ambiance dans laquelle leur dernier (et meilleur) album Land of Sleeper se délecte. Les riffs de "Big Rig" et "Mr Weatherman" sont un délice accessible et prouvent pourquoi le groupe a gagné un suite d'au-delà de la sphère métallique. Alors que Land of Sleeper offre de nombreuses sensations fortes, des coupes plus outrées telles que "Ball Lightning" et l'effrayant "The Weatherman" impressionnent également et plient sans effort Pigs x7 dans de nouvelles formes passionnantes. –Tom Morgan

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Sur Norm d'Andy Shauf, des instrumentaux délicats et scintillants se mêlent à l'approche ironique du lyrisme de Shauf, se penchant sur l'autodérision au bon moment, jouant dans le calme de ses rêveries nostalgiques. Le morceau remarquable "Wasted On You" utilise des violons pour ajouter une impétuosité ponctuée à la demande continue de Shauf de savoir si oui ou non son amour était "gaspillé pour vous?" L'album dans son ensemble porte la marque de rock doux de Shauf, mélangeant des synthés et des guitares vaporeuses pour souligner le désir et l'espoir. Il saigne de mélancolie de manière satisfaite, abordant le monologue intérieur de Shauf de haut en bas avec de charmantes mélodies de synthé. -Virginie Croft

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Le quatrième album du trio de Brooklyn Spotlights montre que le groupe réalise pleinement qui il est d'une manière profonde. Plus post-hardcore que métal, l'intensité atmosphérique montante d'Alchemy for the Dead trouve les limites même de ce terme limitant. Cela frappe le sweet spot d'être soniquement lourd, plutôt que strictement métal. Alchemy for the Dead n'est pas alimenté par l'agressivité, mais une expulsion d'émerveillement en plein visage, alors que leurs paroles introspectives et leur voix époustouflante hantent à la fois les grooves syncopés et les riffs hypnotiques qui bourdonnent vers le ciel. Pourtant, le groupe fait bien plus que simplement composer les bons sons, mais les intègre méticuleusement dans certaines de leurs chansons les plus mémorables. –Wil Lewellyn

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Chez Treble, nous croyons fermement que 2023 est l'année du disco. Au sommet de cette montagne scintillante se dresse la reine Jessie dans sa splendeur royale. Sur son nouvel album torride intitulé effrontément That! Ça fait du bien !, Ware propose un projet impeccablement conçu qui se délecte de sa liberté et de son plaisir. Ces dix pistes cinétiques ne peuvent tout simplement pas rester immobiles, et elle sait exactement quand les faire un peu transpirer, puis reculer pour aérer un peu les choses. La musique commence par des grooves de basse épais et des frappes de caisse claire syncopées, ondule dans les touches chaudes, puis se jette dans les riffs de guitare slinky et les bêlements de cor avant d'atteindre enfin une douce libération avec l'alto passionné de Ware. L'ensemble du projet est sans vergogne excitant de la meilleure façon possible. – Adam P. Newton

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Alors que le spectre de la musique créée par l'IA dominait le discours au cours du premier semestre de cette année, le mercredi d'Asheville, en Caroline du Nord, a offert une réfutation étonnante de l'idée d'un avenir du matériel d'écoute d'apprentissage automatique. Rat Saw God, le quatrième album de mercredi, enveloppe des instantanés de récits autobiographiques dans des souvenirs sensoriels et des filets de nostalgie et de traumatisme - des adolescents ayant l'estomac pompé à cause d'une surdose de Benadryl, buvant du Fanta couleur pisse et écoutant Drive-By Truckers en revenant de Dollywood, et déclencher des incendies dans les champs en déclenchant des fusées à bouteilles. La narration touchante, drôle et délicieusement étrange de Karly Hartzman trouve un support tout aussi idiosyncrasique dans les arrangements de mercredi, sautant d'un country alternatif chargé de crochets à des riffs denses de style Sonic Youth, un mélange de sons et d'expériences trop spécifiques, trop étrangement humains pour venir de n'importe où. autre. Sans oublier qu'un algorithme ne pourrait jamais proposer des riffs aussi malades. – Jeff Terich

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Il est difficile d'imaginer un disque de rap plus Treblecore que celui-ci. Fusionnant musique électronique expérimentale, tonalités et textures indépendantes et rimes sales au niveau de la rue qui planent avec un flux post-MF Doom, il est impossible de concevoir un monde où Maps n'a pas une place de choix pour nous. billy est au milieu d'une série de coups chauds et il le sait; bien qu'il reste à débattre pour savoir s'il renversera Aethiopes (notre album de l'année 2022) comme le plus grand de sa séquence actuelle, il restera absolument comme un solide disque de rap W. Son flow est, comme toujours, la véritable arme ici, comme un Voltron de tous les meilleurs éléments des meilleurs du Wu-Tang à leur apogée. Il est incroyablement bon. – Langdon Hickman

En savoir plus:10 albums essentiels de Backwoodz

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Ce n'est pas souvent qu'un musicien sort un album qui surclasse tout son travail précédent, mais le premier long métrage de Yaeji With A Hammer crée un fossé entre lui-même et ses versions précédentes par sa qualité pure. La DJ et rappeuse new-yorkaise / sud-coréenne est apparemment entrée dans la chambre du temps hyperbolique à un moment donné au cours des trois dernières années, émergeant comme une artiste opérant à un tout autre niveau, emmenant ses rythmes auparavant adaptés aux clubs quelque part plus fous. With A Hammer démonte également la pratique consistant à utiliser la musique comme moyen de s'identifier. Au lieu de cela, Yaeji l'utilise pour réfléchir sur elle-même, remplissant ses traces de révélations thérapeutiques survenues des années après avoir traité ses émotions étouffées. C'est-à-dire que With A Hammer déborde de lignes qui vous obligent à vous inspecter et à inspecter vos croyances, telles que "N'est-ce pas si bizarre comment nous apprenons à / Transmettre ce que nous ne voulions pas faire? / N'est-ce pas est-ce notre mission cette vie de / Briser les cycles, faire en sorte qu'elle vous fasse réparer les cycles ?" –Colin Dempsey

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Le titre du dernier album de Yo La Tengo composé de matériel original basé sur des chansons faisait référence à Sly Stone au milieu d'une Amérique de plus en plus tendue de jour en jour; le titre de sa suite semble trouver le groupe lève les mains en signe de résignation que rien ne s'est vraiment amélioré depuis. Mais sur This Stupid World, il y a malgré tout une joie et une verve, de la frustration et de la résignation aussi, mais jamais de défaite. La chimie et le sens de la liberté du groupe sont plus forts qu'ils ne l'ont jamais été, produisant un ensemble de chansons qui ne se sentent pas liées par ce qui a précédé, mais qui s'intègrent confortablement dans l'ensemble de l'œuvre du groupe, de ses méditations les plus douces à ses paniques déformées les plus folles. . S'il y a encore de l'anxiété et de l'incertitude dans la musique de Yo La Tengo, ils y travaillent de la meilleure façon qu'ils connaissent - à travers le plaisir simple et incommensurable de faire de la musique ensemble. – Jeff Terich

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Avec une approche impétueuse, audacieuse et expérimentale, Yves Tumor crée un nouveau lot de chansons pop explosives sur Praise A Lord Who Chews… Chaque morceau présente leur approche évolutive et toujours non conventionnelle; "God Is A Circle" se lit comme une version lourde du rock alternatif des années 90, tandis que "Heaven Surrounds Us Like a Hood" se penche sur un ton psychédélique et plus funky, et "Meteora Blues" a des notes de post-punk dans sa version dépouillée. baisse le son de la guitare. Bien que chaque chanson puisse avoir sa propre identité, il y a une cohésion au sein de la musique qui les lie, l'album trouvant sa propre niche, débordant de vie. -Virginie Croft

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