Une histoire orale de "Lilo & Stitch", une main

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Lorsque vous regardez Lilo & Stitch - que ce soit pour la première fois ou la 40e fois - c'est toujours un peu surprenant de découvrir qu'il commence dans les confins de l'espace, au siège de la Fédération Galactique sur la planète Turo. On oublie que le film Disney de 2002, écrit et réalisé par Christopher Sanders et Dean DeBlois, est, techniquement parlant, de la science-fiction : l'histoire d'une créature expérimentale incroyablement puissante et destructrice, conçue par un savant fou d'un monde extraterrestre, qui s'écrase... atterrit sur Terre pour trouver une famille aimante à Hawaï. Cet écart discordant entre le grand cadre interstellaire du film et la nature douce, intime, voire discrète de son histoire fait partie du charme peu orthodoxe de Lilo & Stitch, une image si merveilleusement étrange qu'il est difficile de croire qu'elle ait jamais été réalisée.

Visuellement, le film est une merveille. Les personnages arrondis, basés sur les dessins de Sanders, contrastaient fortement avec l'esthétique Disney exagérée de l'époque. Les arrière-plans à l'aquarelle - utilisant un format de peinture extraordinairement difficile qui n'avait pas été vu dans un long métrage de Disney depuis les années 1940 - ajoutent une ambiance rêveuse mais tactile à la procédure. Mais ce qui rend Lilo & Stitch si indélébile, c'est la façon dont il raconte une histoire qui, malgré toute son ornementation de science-fiction, se concentre en grande partie sur des personnages qui ressemblent et se sentent comme des gens ordinaires avec des problèmes du monde réel. Oui, il y a un agent démoniaque du chaos avec six membres et une bouchée de dents énormes. Oui, il y a des espions de l'espace extra-atmosphérique (l'un avec un œil, l'autre avec quatre) qui le traquent. Oui, Ving Rhames se présente en exprimant un riff sur son personnage de Pulp Fiction. Mais d'une manière ou d'une autre, tout se résume à l'idée émouvante que vous faites votre propre famille, et cette famille signifie que personne n'est laissé pour compte.

Ce film est la plus étrange et la plus délicate des combinaisons. Même les gens qui l'ont fait s'émerveillent encore, 20 ans plus tard, de ce qu'ils ont réussi à faire avec peu d'argent et de temps. Lilo & Stitch a été réalisé loin du siège social de Disney à Burbank, en Californie, produit presque entièrement dans un studio d'animation à Orlando, en Floride, avec un groupe de jeunes artistes affamés et soudés désireux de prouver ce qu'ils pouvaient accomplir. Ce qu'ils ont créé a fini par être l'un des rares points lumineux du début des années 2000 pour Disney, au cours d'une période d'intense introspection et de luttes intestines au sein de l'entreprise. Il reste, à ce jour, l'un des films les plus appréciés de Disney.

Alors que les années 1990 ont vu des succès fulgurants tels que La Belle et la Bête et Le Roi Lion, la seconde moitié de la décennie a vu Walt Disney Studios commencer à s'inquiéter de la direction de ses productions animées. Jeffrey Katzenberg est parti en 1994. Au cours des années suivantes, des titres coûteux comme Hercules et Fantasia 2000 n'ont pas réussi à répondre aux attentes du box-office, tandis que d'autres films semblaient bloqués en développement. C'est dans cet environnement que la maison d'animation a décidé de faire un film plus petit, plus personnel, produit avec un budget moindre dans le studio de la société en Floride, ouvert en 1989 et qui s'était déjà distingué avec leur travail sur Mulan (1998). Christopher Sanders, qui avait co-écrit Mulan et avait également travaillé sur La Belle et la Bête et Le Roi Lion, a été sollicité pour diriger la nouvelle production. Le rejoindre était Dean DeBlois, qui avait travaillé en étroite collaboration avec Sanders en tant que co-responsable de l'histoire sur Mulan.

Thomas Schumacher (directeur créatif chez Disney) : Tout a commencé en 1997 à la ferme familiale de Michael Eisner dans le Vermont. Environ 21 personnes étaient présentes, dont Roy et Patty Disney, Peter Schneider et moi. Nous avons cueilli des pommes, nous avons sculpté des citrouilles et nous avons parlé d'animation. L'idée était, Faisons le Dumbo pour notre génération. Un film basé sur un réalisateur qui n'était ni énorme ni compliqué, et qui donnerait donc plus de contrôle aux animateurs.

Chris Sanders (co-réalisateur, co-scénariste et voix de Stitch): Dix-sept ans avant même de lancer Lilo & Stitch, je voulais faire un livre pour enfants sur cette petite créature qui vivait dans une forêt. C'était un peu un monstre sans véritable explication quant à son origine. Tout dépendait de la façon dont il avait trouvé un moyen d'appartenir. Mais après avoir fait quelques dessins, j'ai réalisé que l'idée allait être très difficile à réduire à, disons, 24 pages. Alors je l'ai abandonné.

Schumacher : Chris était extraordinaire. Chris a créé des choses incroyables. Il a fait "J'ai hâte d'être roi". Il était responsable de l'histoire sur Mulan et a fait l'une des meilleures séquences – le tout où son père cueille la fleur et dit: "La fleur qui fleurit dans l'adversité est la plus rare et la plus belle de toutes." Il a créé le jeu de la grue pour Toy Story. Ce truc calviniste : « J'ai été choisi. C'est tout Chris. Alors je suis allé voir Chris et j'ai dit: "Tout le monde veut que ce prochain film soit toi."

Ponceuses : C'est à ce moment-là que j'ai pitché le film pour la toute première fois. Tout se passait dans la forêt avec des animaux.

Schumacher : Les deux choses que je lui ai dites étaient : "Tu ne veux pas qu'il vive dans un monde plein d'animaux qui ne savent pas ce qu'est un extraterrestre. Un extraterrestre parmi les animaux n'est pas aussi remarquable qu'un extraterrestre parmi les humains." Aussi, j'ai dit, "La forêt est juste vert sur vert sur vert." J'ai dit, "Visuellement, imaginez la couleur." J'ai d'abord suggéré Tahiti. J'ai toujours voulu y aller car mon arrière-grand-mère est née à Tahiti.

Ponceuses : J'avais une carte d'Hawaï sur mon mur. J'étais en vacances là-bas. Un jour, j'ai pensé, attendez une minute, pourquoi ne pourrais-je pas simplement le mettre là ? Je ne connaissais personne à ce moment-là qui était hawaïen avec qui je pouvais consulter, alors je me suis tourné vers une feuille de route et j'ai juste commencé à tirer des noms. J'ai trouvé Lilo Lane et j'ai trouvé le mot Nani dessus, et ça m'a semblé être des noms. Puis je suis parti à Palm Springs et j'ai passé une semaine terré dans une chambre d'hôtel. J'ai pensé, si je dis "extraterrestre", tout le monde aura une interprétation différente de ce que c'est. Alors je vais faire un livre qui contient des dessins pour qu'ils comprennent. J'ai créé, en un sens, ce livre pour enfants. J'ai dessiné Stitch et j'ai essayé de construire un modèle de lui. C'était ce conglomérat d'animaux différents. J'avais des morceaux de crabe que j'avais achetés dans un magasin de fruits de mer. J'ai fait une tête d'argile. J'ai trouvé des yeux de verre au magasin de taxidermie. Je l'ai ramené de Palm Springs et je l'ai donné à Tom et au département de développement. C'est alors que Tom a rebondi et a dit: "Je le ferai si c'est dans ton style."

Dean DeBlois (co-réalisateur et co-scénariste): Tom Schumacher et Peter Schneider ont été charmés par le livre et ont dit : « Nous allons le faire avec un budget inférieur. La condition est que vous deviez retourner en Floride » – où nous venions de terminer Mulan – « et utiliser ce studio pour produire tout à fait." La Floride était principalement un studio satellite à ce moment-là.

Ponceuses : Je savais que c'était le bon endroit. Ce studio ressemblait à ce que les studios Disney étaient dans les années 30, dans les années 40 - de jeunes artistes qui avaient faim, qui étaient motivés, qui voulaient faire leurs preuves et qui étaient immensément talentueux.

Pam Coats (vice-présidente senior du développement créatif chez Disney) : Une partie de la joie du studio de Floride était qu'il était à un certain niveau à l'écart du quotidien. C'était hors de vue, hors d'esprit.

Ponceuses : Je me souviens d'être allé à la fête de fin d'Hercule, qui était gigantesque. Je suis tombé sur Michael Eisner. J'aime beaucoup Michael, mais nous n'avons pas grand-chose en commun. C'est une personne super gentille et fascinante, mais il aime vraiment le hockey et je n'y connais rien au hockey. Nous avons donc parlé un peu, puis Michael a dit: "Eh bien, je suppose que je ferais mieux de sortir et de me mêler." Et il est parti. Il n'a pas fallu longtemps avant qu'il ne revienne, et il a regardé autour de lui, et il a dit : "Je ne connais personne ici. Je pense que ceux-ci sont devenus trop gros." Il faisait écho à quelque chose que je ressentais. Les choses étaient devenues de plus en plus grandes. Mais plus ils sont gros, plus ils sont encombrants. Vous avez des budgets plus importants, mais cela signifiait que vous deviez être, d'une manière étrange, plus prudent.

DeBlois:Ce film serait réalisé hors réseau, loin des yeux vigilants de la direction de Disney.

Les productions animées de Disney ont mis des années à être réalisées, généralement après de nombreuses séries de projections, des notes de la direction du studio et des réécritures. À la fin des années 90 et au début des années 2000, un certain nombre de projets coûteux de Disney étaient en plein désarroi : Treasure Planet ; Kingdom of the Sun, qui deviendrait The Emperor's New Groove ; et Sweating Bullets, qui deviendra Home on the Range, parmi eux. Les douleurs associées à l'ingérence des entreprises ont naturellement rendu nerveux les écrivains, les animateurs et les réalisateurs. Christopher Sanders lui-même a rappelé plusieurs rencontres dans la salle de projection de Disney à New York qui l'ont à peu près marqué à vie. "Rien de bon ne s'est jamais produit dans cette pièce", dit-il.

Ponceuses : Jeffrey Katzenberg m'a un jour emmené à New York parce qu'il voulait que nous fassions West Side Story avec des chats. J'ai embarqué dans cette immense séquence où ces chats s'affrontaient. Jeffrey a dit: "Nous allons nous envoler pour New York et vous allez le présenter à Leonard Bernstein." Tout d'un coup, j'étais dans le jet d'affaires de Disney. Je suis allé dans la salle et j'ai installé toutes les planches, et j'ai pratiqué et j'ai pratiqué et j'ai pratiqué. Il s'est avéré que Leonard Bernstein ne s'est pas présenté à la réunion. Il a envoyé des représentants. Je suis sûr qu'ils étaient des gens d'une certaine importance; il y avait une femme en particulier qui portait beaucoup de colliers. Mais on pouvait dire que ça n'allait pas bien. Comme, Oh, je pense que nous avons peut-être fait une erreur en venant ici.

Schumacher : Il y a eu un autre moment qui a probablement informé Chris. À la fin de Mulan, elle dit : « Père, je t'apporte des trésors de l'empereur pour honorer la famille de la Loi. Elle lui tend tout ça, et il le jette par terre. Il l'attrape, la serre dans ses bras et dit : "T'avoir comme fille est le plus grand honneur de tous." Il me fait pleurer à chaque fois que je le regarde. Je suis en train de pleurer en vous racontant cette foutue anecdote. Nous l'avons projeté à New York pour Michael Eisner. Et Mulan n'a pas du tout poussé Michael. À la fin, il a littéralement crié : "C'est qui le gars sur le banc ?!" Chris était un peu nerveux à propos des notes de Michael après ça.

Ponceuses : Il se trouve que je me suis assis juste derrière Michael Eisner lors d'une projection du Roi Lion. Il avait eu une matinée très difficile. Nous en avions déjà entendu parler : « Il a eu de mauvaises rencontres. Tout le monde avait un stylo lumineux, donc vous saviez quand quelqu'un prenait une note parce que vous entendiez un clic et une petite lumière s'allumait. J'attendais que Michael écrive des trucs. Mais je pense qu'il était juste absorbé par ce qui s'était passé plus tôt dans la journée. Quand il regardait le film, il baissait la tête et regardait sur le côté, puis il baissait à nouveau la tête, regardait autour de lui et reposait la tête à nouveau. Il a continué à le faire tout au long du film. À ce moment charnière - lorsque Simba a grandi et rencontre Rafiki, qui lui dit de regarder dans l'eau. Simba dit : "Je ne vois rien." Rafiki dit : "Non, regarde plus fort." À ce moment, Michael Eisner baisse les yeux. Alors le fantôme de Mufasa apparaît, et il dit : « Simba, tu es plus que ce que tu es devenu. Tu es le seul vrai roi », et Michael baisse les yeux tout le temps. Mufasa dit : "Souviens-toi qui tu es." Les nuages ​​se retirent. Et puis Michael lève les yeux. Nous sommes allés à la réunion après, et Michael a dit : « Je ne sais même pas pourquoi Simba est rentré chez lui. Je ne pouvais pas me lever et dire : « Il l'a raté ! Il ne l'a pas vu ! Jeffrey Katzenberg dit: "Eh bien, le fantôme de Mufasa est revenu pour lui." Michael dit: "Oh, je n'ai pas du tout compris." Jeffrey est comme, "Comment as-tu pu manquer ça?" Michael dit : "Je ne sais pas. Je n'ai tout simplement pas vu ça. Que s'est-il passé ? Mustafa qui ?"

C'est le genre de choses que Lilo & Stitch n'ont jamais vécues. Chaque fois que Tom se rendait à ses nombreuses réunions sur le terrain principal et que Michael Eisner s'y trouvait, ils écrivaient leur agenda. Il disait: "Alors, qu'est-ce que c'est que tout ce truc Lilo & Stitch?" Et Tom disait : "Oh, c'est ce que nous faisons. Ce n'est pas encore vraiment prêt, mais quand ce sera prêt, nous vous montrerons." Encore une fois, j'aime Michael, mais le film a défié les conventions, et ils auraient probablement essayé de le mettre dans un moule avec lequel ils étaient plus familiers. Comment vous asseyez-vous là et expliquez-vous, "Eh bien, je pense que c'est vraiment cool que la fille donne du beurre de cacahuète à un poisson" ?

Schumacher : Lorsque Dumbo a été créé, Walt était en Amérique du Sud. Il n'était pas là quand Dick Huemer et Joe Grant tournaient ce film. Roy Disney était souvent dans la salle avec Lilo & Stitch, mais Roy était un fan extraordinaire et un grand supporter. Il entrerait, donnerait une note, partirait.

Clark Spencer (producteur):Tom connaissait vraiment les bons moments pour faire venir les gens. Les moments où les gens pourraient voir où le film se dirigeait et donner les notes qui l'élèveraient réellement, au lieu de faire dire aux gens: "Eh bien, et si c'était quelque chose d'entièrement différent ?"

Kevin McDonald, voix de Pleakley : Maintenant que je suis un vieil homme et que je ramène chaque conversation à moi, j'y vais : Les enfants du hall étaient comme ça ! Sur notre série originale, nous étions à Toronto, et HBO s'est très rarement envolé pour nous voir. Lorne Michaels ne faisait le vol qu'une fois par an. C'était surtout pour voir sa famille parce qu'il vient de Toronto. Nous étions donc aussi cachés comme ça.

Ponceuses : Nous étions l'équivalent d'un avion espion qui était construit dans un hangar secret avec un groupe de personnes très élitiste. Et c'est une autre raison pour laquelle la Floride était magique, parce que personne ne savait ce qui s'y passait.

Lisa Poole (productrice associée) : Étant en Floride, vous étiez loin du vaisseau-mère. Si vous aviez besoin du soutien de LA, vous deviez crier un peu plus fort. Mais cela nous a donné la liberté. Il y a certainement des choses que nous avons faites différemment. Et quand LA l'a découvert, ils n'ont pas aimé que nous fassions les choses différemment, mais ils ne pouvaient pas contester les résultats.

Sanders avait installé Lilo & Stitch à Hawaï, mais lui et DeBlois ont compris très tôt qu'ils étaient des étrangers cherchant à faire un film sur une culture spécifique, et que pendant trop longtemps, Hawaï avait été une jolie et exotique toile de fond pour des histoires sur des personnages du continentale. Il était important que Sanders, DeBlois et leur équipe fassent autant de recherches que possible et travaillent avec des individus de la communauté pour créer un sens authentique du lieu et des gens. Leurs voyages de recherche à Hawaï ont été révélateurs et ont changé le cours du film visuellement, musicalement et narrativement.

Ric Shutter (directeur artistique): Quand je suis descendu de l'avion à Hawaï, je n'arrivais pas à croire à quel point les couleurs étaient pures et claires. Étant sur une île, il n'y a pas de smog. Les verts étaient plus verts, les fuchsias étaient plus fuchsia, les ciels étaient plus bleus. En tant que directeur artistique et travaillant dans des villes et des trucs comme ça, je n'ai jamais vu de couleur comme ça.

Ponceuses : Nos artistes voyageaient partout à Hawaï avec leurs chevalets et leurs peintures, car une photographie ne marchera jamais. Vous devez vous rendre sur place et peindre les choses réelles pour revenir avec les couleurs réelles. Ils rassemblaient des éléments qui devenaient l'ambiance du film et faisaient des observations très minutieuses sur le plan architectural. À quoi ressemblent les courbes, à quoi ressemblent les cadres de fenêtres.

Obturateur: Le sable est très riche en fer. Vous marchez sur la plage et tout d'un coup on dirait qu'un géant a laissé tomber un sac de pommes de terre, mais ce sont des pierres de lave et elles sont juste empilées partout. Un jour, nous étions assis sur la plage le soir en train de dîner au bord de l'océan. Le soleil se couchait et les vagues arrivaient. L'eau était turquoise, mais l'écume de mer était rose. "Comment l'écume blanche peut-elle être autant affectée par la couleur du ciel, mais pas par l'eau ?" Vous verrez dans la scène du surf, nous l'avons fait. La plupart des gens auraient juste fait l'eau avec de la mousse blanche ou de la mousse bleu grisâtre. Nous l'avons fait rose parce que c'est ce que nous avons vu.

Andreas Deja (animateur superviseur pour Lilo): Ils ont dit : "Hé, Andreas, on dirait que tu vas finir par animer Lilo. Il est probablement plus logique que tu ailles dans une école locale et que tu surveilles les enfants et que tu vois comment ils se comportent." Alors nous l'avons fait. Nous avions un guide touristique et il nous a emmenés dans le bus jusqu'à une école. Il a dit : « Les écoles sont un peu protectrices ici. Elles n'aiment pas que les continentaux entrent et fouinent. Je ne peux pas garantir qu'ils vous laisseront entrer. Je me souviens que nous avons frappé à la porte et qu'un professeur est sorti. Elle avait quelques questions, et je lui ai dit, ainsi qu'aux quelques enfants derrière elle, que oui, nous étions de Disney et que nous allions faire un film basé sur l'île. Cette petite fille qui vient d'entendre Disney, elle a dit : "Avez-vous travaillé sur La Petite Sirène ?" J'ai dit : « Ouais, j'ai dessiné son père », et elle a dit : « Yay ! Ensuite, ils se sont vraiment réchauffés avec nous.

J'ai pris un carnet de croquis avec moi et j'ai dessiné un peu. À quel point elles sont agitées à l'école - les filles de cet âge. J'ai eu un peu de cela dans certaines scènes, quand Lilo parle au professeur de hula de ce qui s'est passé avec Pudge le poisson.

Ponceuses : Dean et moi faisions une pause dans ce petit café et nous étions juste assis sur la terrasse. Cette fille est venue et s'est assise. Elle était vraiment énervée. Je me souviens qu'elle avait un ukulélé. Je pense qu'elle venait de quitter son emploi et qu'elle mijotait à ce sujet. Dean et moi avons eu une courte conversation avec elle. Elle avait vraiment le bon âge et la bonne attitude. Elle avait une sorte de côté agressif envers elle. Nous avons tous les deux réalisé que Nani était ce personnage. Parce qu'elle a les responsabilités d'un parent, nous avions traité Nani un peu plus adulte qu'elle n'aurait dû l'être. Nous en avons donc tiré une leçon et avons essayé d'ajouter cette énergie à Nani.

DeBlois:Il y a eu beaucoup d'observations attentives des gens que nous avons rencontrés et nous avons essayé de canaliser cette sensation de vie normale à Hawaï dans le film afin qu'il ne se présente pas comme de simples personnes en jupe hula debout sur une plage, comme Blue Hawaï ou quelque chose comme ça.

Ponceuses : Dean et moi n'avons pas à raconter une histoire hawaïenne. Vous pouvez raconter des histoires comme ça, mais ensuite vous trouvez des gens qui ont une entreprise là-bas. Nous avons donc contacté autant de personnes que possible qui vivaient là-bas.

Étant donné que les pistes audio sont souvent enregistrées avant que les scènes ne soient animées, le casting de la voix a souvent un impact énorme sur la forme finale d'un film d'animation. Alors qu'ils procédaient au casting et à l'enregistrement des acteurs de Lilo & Stitch, Sanders et DeBlois ont vu le film se transformer sous leurs yeux.

Ponceuses : Nous avons lu beaucoup, beaucoup de gens pour chaque partie, et Tia Carrere a été l'une des toutes premières personnes à entrer. Mais parce qu'elle était littéralement l'une des toutes premières voix, il était très difficile de dire oui. Vous ne vous attendez pas à ce que la première voix que vous entendez soit la bonne. Nous avons donc continué à lire et à lire et à lire.

À un moment donné, Calista Flockhart est venue auditionner pour le rôle de Nani. Elle regarda les pages et demanda : « Quel âge a cette fille ? Nous avons dit: "Eh bien, elle a 19, 20 ans." Elle a dit : "Parce qu'elle n'a pas l'air d'avoir 19 ans. Elle agit comme une mère." Lors de son audition, elle l'a poussé plus jeune. Un peu moins responsable. Plus émotionnel. Mais plus on lisait de gens, plus on revenait toujours à Tia Carrere. Elle a fait un travail brillant en jouant tous les morceaux. La qualité de sa voix correspondait si bien à ce personnage.

Tia Carrere (voix de Nani): Quand j'ai rencontré Chris et Dean pour la première fois, ils m'ont dit : « Eh bien, tu viens d'Hawaï. Que penses-tu de l'histoire ? J'ai dit: "Eh bien, que pensez-vous de Pidgin?" C'est une cadence de parole si particulière. Toutes les différentes ethnies - philippines, chinoises, japonaises, portugaises, hawaïennes - travaillaient toutes ensemble dans les plantations, et elles ne parlaient pas la langue de l'autre, alors elles ont créé le pidgin anglais, qui est composé de mots et de phrases brisés de tous les différentes langues. Chris et Dean ont dit: "Comment voulez-vous l'infuser dans le personnage?" J'ai dit: "Eh bien, je ne voudrais pas que ce soit trop fort là où le spectateur ne peut pas comprendre. Juste un peu de Pidgin, pour insuffler à ce personnage son authenticité." J'étais si heureux qu'ils soient ouverts à cela.

Ponceuses : Nous avons rencontré Tia dans un restaurant à Pasadena appelé Twin Palms. Dean et moi sommes arrivés les premiers, et le gars nous a fait asseoir et a dit : "D'accord, êtes-vous prêt à commander ?" Nous avons dit : « Non, nous avons quelqu'un d'autre qui se joint à nous », et cela l'a complètement ennuyé. Il est parti et nous avons continué à attendre et attendre. Alors quelqu'un a dit: "Oh, elle est ici." Dean et moi sommes allés à sa rencontre, et c'était cette limousine. Le chauffeur est sorti et a dit : « Êtes-vous ici pour Mme Carrere ? Dean et moi avons dit, "Oui!" Il a dit: "Êtes-vous prêt?" Nous étions comme, "Oui?" Il ouvrit la porte. Elle était vêtue de cette incroyable tenue en cuir noir peinte à la bombe. Je ne peux même pas le décrire. Toute la place s'est arrêtée. Le gars qui nous a si mal traités revient et dit "Oh, oh, bonjour". J'étais comme, "Oui, notre troisième... notre troisième est arrivé."

C'était un dîner incroyable parce qu'elle était si amicale et si terre à terre, et c'est à ce moment-là que la chanson "Aloha Oe" est entrée dans le film. Tia avait lu le scénario. L'un de nos moments difficiles a été lorsque Nani a dit à Lilo qu'ils allaient être séparés. Nous avons eu du mal à trouver les mots. C'était l'une des suggestions de Tia Carrere qu'elle chante cette chanson de Lilo. Ce fut un beau moment, honnête, très sincère.

Carrière: Je pense que Chris m'a demandé : "Comment diriez-vous au revoir en hawaïen ?" J'ai dit: "Eh bien, il y a ceci, la chanson hawaïenne la plus célèbre, une chanson d'amour et d'adieu écrite par la reine Liliʻuokalani dans le palais, et c'est" Aloha Oe "." Ils ont dit: "Pouvez-vous chanter pour nous?" Et ils sont comme, "Oh mon Dieu, c'est parfait."

Ponceuses :Lorsque nous étions dans la session d'enregistrement, elle a même appelé sa grand-mère au téléphone pour s'assurer qu'elle comprenait tous les mots exactement.

Carrière: Plus tard, quand j'ai fait les relations publiques pour Lilo & Stitch, nous avons fait une émission spéciale à Hawaï. (Kelly Slater parlait des scènes de surf.) Le réalisateur a dit : "Hé, tu peux chanter 'Aloha Oe' ?" J'ai dit: "Est-ce que ma grand-mère peut chanter en harmonie avec moi?" Nous nous sommes assis sous un banian à Hawaï et elle a chanté l'harmonie. Bien plus tard, sur son lit de mort à l'hôpital, ce fut l'une des dernières choses que nous ayons faites. J'ai chanté "Aloha Oe" avec elle, et elle s'est harmonisée avec moi. Mon cousin jouait du ukulélé. C'est tellement profond pour moi. Cette chanson.

Ponceuses : Je crois que les personnages ont tendance à éviter les choses. Parce que je le fais dans ma propre vie. Ainsi, lorsque Nani chante "Aloha Oe", elle dit au revoir à sa sœur, mais elle n'y fait pas vraiment face. Cela a fonctionné à merveille pour le film. S'il n'y avait pas eu Tia, qui était la bonne voix, qui était hawaïenne, qui était parfaite pour le rôle et qui a contribué à intégrer cela dans toute l'histoire. Un grand acteur, qui convient au rôle, va changer le cours du film.

Carrière: Ils m'ont demandé d'autres choses comme : « Si quelqu'un te renversait presque avec la voiture, que dirais-tu ? Je suis comme, "Oh, tête stupide." C'est comme une telle chose à Hawaï. Et quand je dis à Lilo, "Oh, Lilo, toi lolo." Ce sont des tournures de phrases que nous utilisions à Hawaï quand je grandissais.

Jason Scott Lee (voix de David Kawena): Tia m'a fait entrer dans l'image. Elle a été choisie en premier, et elle a donc suggéré de me laisser en faire partie.

Ponceuses : Une fois que nous avons rencontré Jason, nous avons commencé à entendre tous les dialogues dans sa voix, et cela a tout informé et changé. Jason pouvait faire en quelques mots ce que nous étions probablement en train d'écraser.

Li : Souvent, les réalisateurs disaient: "Oh, essayez simplement de le faire comme vous le feriez en tant qu'enfant hawaïen local." Alors je ferais ça. Ils diraient: "Oh, c'est super. Nous garderons ceci. Nous garderons cela." Ils ont aimé la cadence - c'est un type de rythme chantant très spécifique. Nous le prenions dans moins d'anglais hawaïen Pidgin, puis nous nous y relâchions un peu plus, un peu plus, puis nous le faisions peut-être vraiment à fond, puis nous reculions. C'était ce va-et-vient. Je pense qu'il y a une ligne qui ressort qui était une sorte de truc local. Quand ils parlent de Stitch, David dit : "Tu es sûr que c'est un chien ?" C'est un genre de chose très pidgin anglais. Je ne pense pas qu'ils savaient que ça allait être lu de cette façon, mais c'est ce qu'ils ont gardé.

DeBlois: Le rôle le plus difficile à jouer était Lilo. Nous avons auditionné tellement de filles.

Ponceuses : Nous étions allés partout. Nous avions eu des recherches à Hawaï. Nous voulions une voix hawaïenne. Nous n'en avons pas trouvé. Les enfants sont difficiles parce que, dans un sens, vous voulez un enfant qui ne soit pas acteur. Il y a beaucoup d'acteurs, et quand on les lisait, ils surjouaient immédiatement les choses d'une manière qui sonnait fausse. C'était écoeurant.

DeBlois: Ce n'est que lorsque Daveigh Chase est entré avec cette qualité hantée et ce comportement vraiment sec. Mais ensuite, elle exploserait devant la caméra quand elle ferait les répliques. Elle pouvait alterner entre une sorte de hantise et maussade et exagérément excitée par les choses.

Ponceuses :Nous avons pris la voix que nous avons enregistrée lors de cette audition, nous l'avons mise sur le personnage, et nous nous sommes dit : "C'est elle".

Déjà : Daveigh Chase était Lilo. Si elle était comme Lilo dans la vraie vie ou non, je ne sais pas. Mais elle avait ce genre de qualité terre à terre. Elle vivait dans son propre monde qui avait tout son sens pour elle, et pourquoi les adultes ne le comprennent-ils pas, pour avoir crié à haute voix ? Lilo retenait beaucoup de sentiments et communiquait par des mouvements et des expressions faciales très subtils. Donc, même si elle semblait être un design large – comme si elle pouvait être un membre de la famille Charles Schultz Peanuts avec cette tête ronde et la grande bouche – à la fin, c'était un personnage qui avait beaucoup de problèmes et communiquait des choses en elle sa propre façon.

Carrière: C'est assez drôle que je n'aie jamais rencontré Lilo avant la première à Los Angeles. Elle a dit : "Salut, je m'appelle Daveigh, je joue Lilo." Je suis comme, Oh mon Dieu. Elle avait une adorable petite voix. Aujourd'hui, ils auraient probablement choisi une petite fille hawaïenne, mais il n'y avait pas ce vivier de talents dans lequel ils pouvaient puiser, car il n'y avait pas beaucoup de monde dans l'entreprise et certainement pas de petits enfants. Elle avait ce petit truc impertinent. Ce qui est hilarant, c'est qu'elle est passée de Lilo & Stitch à être la fille effrayante qui sort du puits dans The Ring. C'était bizarre. J'étais terrifié.

Ponceuses : Nous avions pris la décision de ne pas lancer Stitch. Il n'a jamais été destiné à parler. Il allait être l'équivalent de Dumbo. Il faisait des bruits, mais il ne verbalisait jamais rien. Cela est tombé au bord du chemin presque immédiatement, et nous avons réalisé qu'il devrait dire quelques mots ici et là.

DeBlois: Pour la voix de Stitch, ils n'arrêtaient pas de dire: "Eh bien, non, nous allons trouver un vrai acteur que nous pourrons utiliser dans la promotion." Mais, en créant les pistes de scratch qui accompagnaient nos bobines d'histoire, Chris avait l'habitude de faire cette voix tout le temps. Il me laissait des messages vocaux vraiment bouleversants dans cette voix. J'ai dit: "Faites juste cette voix. C'est bien. Finalement, nous devrons aller vers quelqu'un comme Danny DeVito et lui demander de faire beaucoup de grognements animaliers et de bruits coquins."

Ponceuses : Nous avons pensé, Oh mon Dieu, nous ne pouvons pas entrer dans une chose où nous avons un vrai acteur et nous nous sommes dit, "Non, pourriez-vous juste faire un tas de bruits stupides?" Vous savez juste que tout à coup, Stitch ferait tous ces discours.

DeBlois: Mais cela ne s'est jamais produit. Finalement, les images se sont si bien mariées avec la voix que Chris est devenu la voix officielle de Stitch.

Ponceuses :Je dirai, cependant, que chaque fois que nous avons obtenu des cartes d'audience, c'était la chose la moins bien notée du film – la voix de Stitch.

McDonald : J'avais déménagé à Los Angeles deux ou trois ans plus tôt, et tout le monde disait : « Tu as une voix de dessin animé, tu devrais être dans des dessins animés. J'étais dans un dessin animé, et ça m'a fait penser que les dessins animés étaient horribles. C'était à propos d'un chien ou quelque chose comme ça. Le gars qui a créé le dessin animé était gentil avec moi – les gens sont gentils avec Kids in the Hall parce que nous sommes comme une secte – mais il était méchant avec tout le monde. Le gars principal, qui était, comme, un grand gars – il a probablement joué au football au lycée – je l'ai vu pleurer une fois dans le couloir. Alors j'ai pensé, "Oh, eh bien, j'ai essayé les dessins animés. C'est horrible."

Puis j'ai eu une autre expérience horrible. Vous souvenez-vous de l'émission CatDog de Tom Kenny ? J'allais être… Qu'est-ce qu'il était ? Chien? J'allais être Cat. Mais le gars qui l'a créé voulait que je le fasse dans un personnage que j'ai fait avec les Kids in the Hall. Le gars "va faire". « Je ferai l'affaire, m'a-t-il glissé dans la tête. Ce mec. Très discret. Mais Nickelodeon voulait que je le fasse à haute énergie ! Peut-être que Marlon Brando serait capable de faire discret avec beaucoup d'énergie. Je ne suis pas Marlon Brando. C'était l'une des deux fois de ma vie où j'ai découvert que j'étais viré que j'étais heureux. Alors je pensais que les dessins animés étaient faits. Puis ils m'ont demandé de passer une audition pour Lilo & Stitch.

Ponceuses : Chris Williams embarquait dans le film, et Dean et Chris Williams ont tous deux dit: "Oh, Kids in the Hall, Kevin McDonald, c'est Pleakley." Je n'étais pas familier. Ils ont dit: "Nous allons le faire entrer." Il est entré, et soudain il y avait le personnage.

McDonald : Dean était un Canadien. Il y a tellement de Canadiens dans l'animation. Quoi qu'il en soit, il voulait que je fasse un autre personnage que j'ai fait dans le sketch Kids in the Hall où je joue un gars passif-agressif : "Non, non, je ne dis pas ça. Tu crois que j'ai dit ça ?" L'audition s'est bien passée. Puis ils m'ont rappelé et j'ai fait la même chose. Puis ils m'ont rappelé. Je pense que j'ai eu cinq rappels. Je n'ai découvert que quelques années après la première du dessin animé qu'ils se sont vraiment battus pour moi. Disney ne savait pas qui j'étais. Je devais continuer à faire des rappels non pas tant pour le leur prouver, mais pour les épuiser. Ce fut vraiment le début pour moi. Maintenant, j'ai fait 10 millions de dessins animés.

Ponceuses : Vous écrivez suffisamment pour encadrer un personnage, mais le cadre est vide. Et puis quelqu'un comme Kevin McDonald est soudainement dans le cadre, et maintenant tout va changer.

McDonald : Je sais que mon instinct est toujours d'aller vers la comédie. C'était définitivement un personnage comique, mais je l'ai probablement poussé plus de cette façon. Parce qu'il est impossible de faire autre chose avec moi. Non pas que je sois si bon en comédie, mais tout ce que je suis, c'est de la comédie.

Je pense qu'ils allaient faire un truc avec Laurel et Hardy avec Pleakley et Jumba. Nous étions définitivement les comparses de la comédie. Bien sûr, David Ogden Stiers a les choses les plus dramatiques à faire. Nous sommes devenus amis, je l'aimais beaucoup et j'ai appris très tôt à ne pas mentionner M*A*S*H. La chose la plus drôle qu'il m'ait jamais dite, c'est : « J'étais dans cinq Woodys, tu sais. C'était l'amitié la plus étrange qui soit.

En fait, je ne l'ai pas rencontré avant la première ! Ils nous ont emmenés en Floride pendant une semaine et c'est là que je l'ai rencontré et que je me suis lié d'amitié avec lui et que je suis resté en contact avec lui. Et puis nous avons fait l'émission de télévision ensemble. Ils étaient gentils avec nous; ils avaient toujours l'un de nous finissant quand l'autre commençait, donc nous nous disions toujours bonjour.

Ponceuses : L'assistante sociale, Cobra Bubbles, a commencé comme on pouvait s'y attendre : ce petit bonhomme maigre et névrosé, très dans les règles de l'art. Il aurait pu être bibliothécaire ou travailler au DMV. Nous avons en fait approché Jeff Goldblum à un moment donné pour la voix. C'était génial de le rencontrer, et c'était un tel personnage, mais il a finalement refusé. C'était un moment où nous sommes partis et avons dit : "Est-ce vraiment le personnage que nous voulons ? Est-il assez intéressant ?" Nous avons donc eu l'idée d'aller dans la direction opposée.

DeBlois: Nous avons pensé, Non, il doit être intimidant. Il doit vraiment mettre la crainte de Dieu en eux. Et à l'époque, Ving Rhames et le personnage qu'il jouait dans Pulp Fiction étaient une barre d'intimidation si haute. Nous avons juste eu l'audace de l'approcher.

Ponceuses : La première fois que nous avons rencontré Ving Rhames, nous l'avons enregistré à Vegas et il faisait un film sur la boxe, je pense. Nous étions tous les deux très nerveux de le rencontrer. La porte s'est ouverte sur le studio, il est entré et nous nous sommes dit "Oh, bonjour M. Rhames", et il nous a serré la main et est juste passé devant, est allé directement dans la cabine, a mis le casque et a levé les yeux. Dean et moi étions comme, "Oh, d'accord", et nous avons couru pour nous mettre en position. Puis à un moment donné, il s'est arrêté et il a dit : « Qui a écrit ça ? Dean et moi sommes comme, "Oh, eh bien, il l'a fait." En fait, nous nous sommes pointés du doigt. Il y a eu une pause, et il a dit : "Parce que c'est bon. J'aime ça." Il était sensé et travaillait comme un fou, et il était si bon.

DeBlois: Il faisait la ligne et puis il vous regardait avec ce regard impatient, et nous nous bousculions juste pour lui donner la direction. Il dirigerait la ligne vers vous. Il parlerait donc au micro, mais il foncerait avec ce front plissé et cette voix profonde, ce physique massif, qui vous regardait fixement.

Comme dans presque tous les films Disney, la musique jouerait un rôle extrêmement important dans Lilo & Stitch. Avec ce film, cependant, il y avait des défis supplémentaires associés à la création d'une bande sonore qui pourrait basculer de manière organique entre les chansons d'Elvis, la musique traditionnelle hawaïenne et une partition orchestrale. De plus, le hula était un élément clé du film, et les cinéastes savaient qu'il faisait partie d'un monde beaucoup plus complexe que celui qui avait été présenté au cinéma et à la télévision dans le passé.

Ponceuses : Vous ne plaisantez pas avec hula. Vous savez, certaines personnes traitent le hula comme ce genre de chose stupide. L'île de Gilligan. Ils s'habillent avec des jupes hula et font une sorte de moquerie du hula - c'est comme ça qu'Hollywood l'a traité. Ce que nous avons appris très rapidement de toutes les personnes que nous avons consultées, c'est que vous ne faites pas cela.

Carrière: Eh bien, c'est un dispositif de narration, et il y a certaines écoles de hula de différents kumus, les enseignants qui l'ont transmis. C'est une forme d'art très spéciale et très particulière.

DeBlois: Pour Chris et moi, la musique est la moitié de l'équation. Il fait tout le gros du travail émotionnellement. Nous avons donc dit : "Quel que soit le budget que vous nous donnez, nous savons que ce sera moins que le long métrage typique de Disney, mais assurez-vous que nous obtenons un compositeur de premier ordre." En tête de notre liste se trouvait Alan Silvestri. Alan est tellement curieux qu'il a commencé à parcourir tout ce qu'il pouvait trouver sur la musique hawaïenne traditionnelle.

Alan Silvestri (compositeur): Nous voulions apporter cette influence hawaïenne plus traditionnelle à certaines des chansons, et nous avons découvert qu'il y a un aspect très profond et sacré dans la vraie musique hawaïenne traditionnelle. C'est une tradition hawaïenne très soignée.

Ponceuses : Je suis allé au Virgin Megastore à la recherche de musique, et vous pouviez trouver, genre, deux CD de musique hawaïenne. La section de musique africaine était énorme, des tonnes de CD, mais comme deux dans la partie hawaïenne. Nous avons découvert que c'est parce que les paramètres sont très clairs quant à ce que vous pouvez et ne pouvez pas faire avec cette musique. Nous voulions orchestrer cette musique. Nous voulions prendre ces thèmes hawaïens et les mettre à l'échelle d'un film. Et c'est un peu non-non.

DeBlois: Puis Alan est tombé sur un gars nommé Mark Keali'i Ho'omalu, qui était un kumu hula - un maître de hula qui vivait dans la Bay Area. C'était juste un centre commercial dans cette ancienne sorte de studio de karaté à côté d'un magasin de beignets qu'il avait transformé en studio de hula.

Silvestri : Il avait une vitrine dans une zone commerciale, comme beaucoup d'églises en ont maintenant. C'est là que ses élèves se rassemblaient, se rencontraient et travaillaient ensemble. Nous nous sommes assis là, et Mark était une vraie force. C'était un homme très puissant.

DeBlois: Mark était considéré comme un peu rebelle parce qu'il prenait ces anciens chants, et ses versions avaient juste beaucoup de mélodie et d'harmonie et des ruptures dans la tradition qui étaient, je pense, considérées comme un sacrilège par certains puristes. Mais pour d'autres, il apportait la vieille musique hawaïenne à une nouvelle génération. Alan l'a enregistré en train de chanter ces anciens chants hawaïens vénérés, mais mis en musique de telle manière que cela a apporté cette ampleur et cette portée incroyables et cette qualité très cinématographique à la musique.

Silvestri : C'était une parade nuptiale très intéressante parce que Mark était très réservé, comme il aurait dû l'être. Il ne voulait pas qu'une bande de crétins commerciaux marchent sur le sol sacré avec leurs bêtises. Il était protecteur. Il nous a fallu du temps pour le convaincre.

Li :La communauté hawaïenne est très sensible aux étrangers qui viennent et protègent leur culture.

Spencer: Nous avions besoin d'une chorale d'enfants pour chanter la chanson d'ouverture. Nous sommes allés enregistrer avec l'école Kamehameha. Alors on vole vers Hawaï, on est à Honolulu. Nous n'avons pas entendu les enfants chanter. Nous savons qu'ils se sont entraînés.

Lynell Bright (professeur de musique aux écoles Kamehameha): Nous avons appris une chanson, "He Mele No Lilo". Nous étions censés l'enregistrer en mai, puis il a été repoussé à octobre. Puis, après le 11 septembre, il a été repoussé à décembre. À ce moment-là, ils ont décidé de faire une deuxième chanson, "Hawaiian Rollercoaster Ride".

Ponceuses : Nous montons à l'école, nous entendons les enfants chanter dans leur environnement, et Lynell Bright, la directrice de la chorale, joue du piano. Tu es devenu tellement émotif. Et vous ne pouvez pas imaginer que cela deviendrait plus émotif, mais c'est le cas. Nous allons les enregistrer, et il n'y a pas de grand studio d'enregistrement à Honolulu. Nous sommes dans un espace très restreint où seuls les enfants peuvent entrer. Donc tous les parents sont à l'extérieur du studio. Nous avons dit : « Une fois l'enregistrement terminé, nous pouvons amener les parents par groupes de 15 ou 20 pour écouter ce qui a été enregistré. Alors ils sont entrés et… tout le monde pleurait. Toutes les 15 ou 20 personnes qui sont entrées – en pleurant. Parce qu'il y avait ce sentiment qu'ils faisaient partie du film et que la voix de leur enfant allait être là pour l'histoire, pour tous les temps. C'était vraiment phénoménal à regarder. Nous tenons simplement pour acquises certaines de ces choses.

Brillant: Je pense que le neveu de Mark Ho'omalu était dans la chorale. Et il est venu à un concert au Royal Hawaiian Hotel, où nous avons chanté. Je pense donc qu'il a lancé l'idée. À l'époque, nous avions l'habitude de toujours chanter un medley Disney. Quel que soit le dernier film de Disney, ce serait l'une des chansons que nous jouerions. Cette année-là, je suis presque sûr que la sortie de Disney était Dinosaure. Nous étions comme, Oh, il n'y a pas de musique dans ce film ! Puis j'ai reçu un coup de téléphone. "Hé, Disney va faire un film. Voudriez-vous en faire partie ?" Je suis juste comme, "Quoi? C'est un rêve devenu réalité!"

John Sanford (superviseur artistique pour l'histoire) : Chris a toujours été un grand fan d'Elvis. Le fait qu'il ait intégré la musique d'Elvis dans le film… c'était une de ces choses dont il parlait toujours.

DeBlois: En fait, nous ne pensions pas que nous serions (a) jamais en mesure d'autoriser la musique ou (b) être en mesure de représenter Elvis dans le film. Nous avons pensé qu'à un moment donné, quelqu'un allait nous prendre à part et dire : « Vous ne pouvez pas faire ça. Mais des représentants de la succession d'Elvis sont venus regarder nos bobines d'histoire, et ils l'ont soutenu. Donc, étrangement, nous nous sommes retrouvés à avoir une première à Graceland. Nous avons eu une visite spéciale du coffre-fort de Graceland où nous avons jeté un coup d'œil à ces combinaisons folles en strass. Mais j'ai pointé du doigt une case et j'ai dit : "Qu'est-ce que c'est ?" Parce qu'il y avait écrit "articles de toilette". Et le guide a dit: "Oh, ce sont les articles de toilette qui étaient dans la salle de bain où Elvis a été retrouvé." Et il y avait une bouteille d'eau de Cologne Hai Karate.

Schumacher : Étiez-vous assez vieux pour savoir ce qu'était le Hai Karaté ? Hai Karate était un après-rasage que tous les professeurs de gym portaient après avoir abandonné Old Spice. J'ai dit: "Puis-je le sentir?" Elle dit: "Vous pouvez le renifler, pas le vaporiser." Alors je le prends - il est à moitié rempli - et nous le reniflons tous. Ça sentait comme nos professeurs d'éducation physique. C'était Hai Karaté. Ils le vendraient, Hai Karate, avec un blanc en gi. Oh mon Dieu. Quoi qu'il en soit, les gens de mon âge ont été élevés avec beaucoup d'influences qui ne sont pas vraiment géniales.

Au début du développement de Lilo & Stitch, le directeur artistique Ric Sluiter a suggéré à Sanders et DeBlois d'envisager d'utiliser des aquarelles pour les arrière-plans du film. Sluiter avait auparavant réalisé un court métrage de Roger Rabbit, Trail Mix-Up, et avait utilisé de la peinture acrylique pour imiter un style aquarelle dans ce film. De vraies aquarelles, cependant, n'avaient pas été utilisées dans un long métrage de Disney depuis près de 60 ans, et une grande partie de l'artisanat et des connaissances autour de la forme avait été perdue au cours des décennies qui ont suivi.

Ponceuses : Ric Sluiter a jeté un coup d'œil à ce que nous étions en train de dessiner et a déclaré : "Le complément parfait à votre style de personnage arrondi serait les arrière-plans à l'aquarelle que les studios Disney faisaient régulièrement dans les années 1930." Dean et moi avons tous les deux dit : "Oui, faisons ça !" Ce que j'ai découvert plus tard, c'est que Ric Sluiter regrettait grandement d'avoir dit cela ! Ric est retourné dans sa chambre d'hôtel cette nuit-là et a produit quelques peintures. L'un d'eux était à l'aquarelle et l'autre à la gouache opaque - Le Roi Lion, Aladdin, La Belle et la Bête, ce sont tous des gouaches. Ric est revenu et a dit : "Voici le problème : l'aquarelle va être vraiment difficile. Personne n'a fait cela depuis les années 1940. Personne ne sait même quel type de pigments ou de papiers - toutes ces choses ont disparu. Il faudrait les redécouvrir. . De plus, vous devez être comme un ninja de la peinture pour manier l'aquarelle."

DeBlois: C'est un médium très impitoyable parce que vous ne pouvez pas vraiment couvrir vos erreurs. Vous utilisez le blanc du papier comme source de lumière dans votre image et vous appliquez lentement ces lavis de couleur transparents pour donner vie à l'image. Si vous faites une erreur sur une peinture à l'aquarelle, elle est ruinée. Vous devez revenir au début.

Ponceuses : Lorsque Ric nous a montré les deux tableaux et a dit : « Celui-ci est de l'aquarelle et celui-ci est de la gouache faite pour ressembler à de l'aquarelle » — et Ric a travaillé très dur ; cette gouache était aussi proche de l'aquarelle qu'il pouvait la faire - Dean et moi y avons jeté un coup d'œil et avons dit: "Non, nous voulons l'aquarelle."

DeBlois: Toute cette équipe d'artistes en Floride dans le département de fond était des peintres si passionnés. Ils sont retournés et ont fait des recherches et expérimenté avec des pigments, des types d'aquarelle, du papier. Je pense qu'ils étaient vraiment excités par le défi.

Obturateur: Nous avons pris sept mois et nous avons eu des ateliers d'aquarelle et nous sommes sortis et avons peint presque tous les jours à l'extérieur. Il y avait peut-être huit, neuf artistes de fond, et il n'y en avait qu'un qui connaissait l'aquarelle : Peter Moehrle. Je dois lui donner beaucoup de crédit là-bas. Il m'a beaucoup appris.

Ponceuses : Lors d'une de mes visites en Californie depuis la Floride, je suis tombé sur un membre senior du département de fond et il m'a dit : « J'ai entendu dire que vous alliez faire des aquarelles. Quand vous avez des ennuis, parce que vous n'allez pas être capable de réussir, je ne suis pas sûr que la Californie puisse venir à votre secours." Cela m'a vraiment énervé.

Ron Betta (directeur de production adjoint) :J'ai vu la frustration de l'équipe d'aquarelle qui essayait de comprendre comment étirer le papier et comment mettre l'aquarelle sur ce papier sans qu'elle se froisse, car lorsque l'eau pénètre sur le papier, elle va le faire fléchir .

Déjà :Ce groupe d'artistes d'arrière-plan est en fait retourné en Californie, puis ils ont rencontré l'un des gars qui a peint des arrière-plans sur Blanche-Neige, qui était toujours en vie.

Obturateur: Maurice Noble était l'un de mes héros, et il avait plus de 80 ans. Il travaillait pour Disney dans les années 40 et 50. Il pouvait à peine voir. Une excellente technique dont il m'a parlé : il y avait ces rochers à Peter Pan, dans la Mermaid Cove, avec une belle texture rocheuse. J'ai demandé, "Comment avez-vous obtenu cette texture?" Il a dit: "Le secret est le sel de mer - du sel de mer à grains très grossiers." Maintenant, j'avais essayé d'obtenir cette texture tant de fois, et je connaissais la technique du sel, mais je ne savais pas que vous utilisiez du sel marin. Donc, toutes les pierres de lave dans Lilo & Stitch - c'était tout du sel marin. Il vient directement de Maurice Noble.

Ponceuses :En fin de compte, les artistes de Floride sont devenus si faciles avec cette chose à l'aquarelle qu'ils produisaient des arrière-plans plus rapidement qu'ils n'avaient jamais produit d'arrière-plans à la gouache !

DeBlois: Vraiment, pour Chris et moi, notre travail d'entrer dans le département d'arrière-plan consistait simplement à dire s'il traitait ou non le problème de l'histoire de la scène. Tant que cela représentait ce que nous essayions de faire passer émotionnellement et en termes de continuité, nous étions heureux de les laisser partir et de les laisser être des artistes.

Obturateur: Je me souviens de Chris Sanders, quand il a vu les premiers fonds d'aquarelle apparaître, il était tellement excité. Il était juste assis là à regarder cette peinture du feuillage, et il a dit, "C'est comme une thérapie."

DeBlois: Vous pouvez voir tous les signes révélateurs de la main d'un artiste se déplaçant sur les plans de l'image. Cela complétait tout l'énoncé de mission de la réalisation du film : adoptons notre budget de film B et laissons-le être le style qu'il vise à être.

Lilo & Stitch était basé principalement sur les sensibilités esthétiques d'un artiste. Cela le rendait unique parmi les productions Disney; cela signifiait que les personnages ne ressemblaient pas à des princesses typiques à la taille maigre. Et malgré le fait que le personnel du studio de Floride était relativement petit, DeBlois et Sanders étaient déterminés à ne pas microgérer leurs animateurs.

Déjà : Habituellement, vous arrivez dans un film et vous êtes affecté à un personnage et vous êtes d'abord responsable de la conception. Ensuite, vous faites des tests d'animation et vous travaillez avec d'autres animateurs pour vous assurer que ces personnages appartiennent au même monde, et qu'une personne ou l'autre doit faire des ajustements. C'était différent. C'était tout le sens esthétique de Chris.

Ponceuses : Je pensais, Eh bien, je ne sais pas pourquoi je dessine comme je dessine; Je ne me vois même pas avoir un style. Nous nous sommes donc tournés vers une artiste du studio nommée Sue Nichols, et elle a pris mes dessins et elle est partie pendant quelques semaines et elle a fait une analyse de la façon dont je dessine. Elle est revenue avec un livre de plusieurs pages intitulé Surfing the Sanders Style qui expliquait pourquoi je dessine comme je dessine. Personne n'était plus intéressé à lire ceci que moi ! Ce livre est devenu une introduction pour tous ceux qui venaient sur le film.

Manteaux: Je me souviens de Chris Sanders, quand il dessinait Nani, il a demandé à notre superviseur de production de poser pour lui. « Peux-tu poser parce que je veux dessiner tes jambes sur Nani ? Chris vient d'y aller, au lieu d'avoir à avoir des conversations sur, Hé, pouvez-vous faire en sorte qu'une femme ressemble à de vraies femmes? Tout le monde a lutté avec ça. Les femmes devaient avoir ce type de corps irréaliste.

Sanford : Cela va donner l'impression que je frappe la Californie, mais je dois dire la vérité. Si vous aviez apporté Lilo & Stitch à cette équipe et que vous aviez donné Stitch à l'un des animateurs superviseurs, ils diraient: "Eh bien, je dois repenser Stitch parce que je dois y apposer ma marque." La même chose serait arrivée à Nani, et le film ressemblerait à tous les autres films de Disney. Mais avec le studio de Floride, ils se disaient : "Oh, on va faire un film qui ressemble à des dessins de Noël."

Bêta : Nous avions des choses à prouver. Nous étions toujours comparés à l'autre studio. Nous étions considérés comme le frère cadet pas si cool. Les yokels de Floride contre le groupe d'élite des stars de cinéma hollywoodiennes.

DeBlois: Quand nous sommes arrivés en Floride, nous connaissions ces gens car nous avions travaillé sur Mulan avec eux. C'était un film difficile à finir. Il y a eu beaucoup de divorces et de maux qui sont sortis de ce processus. Je me souviens de moi-même travaillant tous les jours jusqu'à bien après 23 heures, écoutant les gens monter dans la Tour de la Terreur et les pauvres gardiens pousser des aspirateurs dans ces caravanes. Nous avons donc pris une décision. Nous nous sommes assis avec toute l'équipe quand nous sommes arrivés. Nous avons dit : "D'accord, voilà le marché. Nous avons beaucoup moins d'argent. Nous avons moins de temps. Mais nous voulons trouver un moyen de faire ce film pour que tout le monde rentre chez lui le soir pour dîner avec ses proches. Tout le monde obtient un week-end. Nous trouverons comment faire cela et nous serons heureux de le faire. C'est devenu l'esprit de faire le film. Il y avait toutes sortes de barbecues et de kayaks à Florida Springs et de petits voyages en voiture jusqu'aux Keys ou sur la côte. Ric Sluiter nous emmenait le week-end et nous allions pétoncles ou crevettes tard le soir. Jeter des lumières dans l'eau et attraper des crevettes.

Obturateur: Mulan a été cinq ans d'enfer. Lilo & Stitch a été deux ans de bonheur. Tout s'est si bien passé. Parce que Chris et Dean écrivaient le film et le storyboard, ils ont fait tout le film eux-mêmes, un exploit incroyable. Donc, en gros, une fois qu'ils ont su que le style était là, ils m'ont juste laissé tranquille. Ils ont fait toutes les approbations, tout, mais ils m'ont laissé le soin de se concentrer sur les histoires.

Ponceuses : Dean et moi avons trouvé notre zone de confort en ne disant pas quoi faire aux animateurs. Ce sont nos acteurs, et, bien sûr, si vous êtes dans l'animation, vous avez vos acteurs acteurs, et vous avez vos animateurs qui sont aussi des acteurs. Et nous avons décidé très tôt que s'ils cochaient toutes les cases dont un moment ou une scène avait besoin, alors nous avions terminé. Nous n'allons pas entrer dans une chose où, "Je l'ai vu plus comme ça." Maintenant, vous êtes dans une situation où un pauvre animateur vous dit : "Alors tu veux qu'il fasse quoi ?" Ils sont soudainement comme quelqu'un qui prend une commande au lieu de faire ce qu'ils font le mieux.

Lilo & Stitch n'avait pas le genre de grande équipe d'histoire qui aurait été courante sur une production Disney. Très souvent, des modifications majeures de l'histoire peuvent se produire relativement rapidement avec la contribution d'une ou deux personnes seulement. Cela a abouti à un processus de production plus fluide – à l'exception d'un changement énorme et choquant de dernière minute qui est intervenu après la fin du film.

Ponceuses : Quand nous travaillions sur Mulan, il est arrivé un jour où nous parlions, comme nous le faisions assez souvent, "Comment allons-nous tuer le méchant?" C'est assez drôle de penser combien de fois dans les couloirs de Disney vous vous asseyez à parler de "Comment allons-nous tuer le méchant?" « Oh, et s'il explosait dans un stand de feux d'artifice ? » Cela m'a amené à penser, et si nous rachetions réellement un méchant ? Et si on faisait de notre méchant le héros ? Vraiment, si vous enlevez tout de Lilo & Stitch, c'est ce qu'est l'histoire. C'est une histoire de rédemption où le méchant et le héros sont le même personnage.

Sanford : Ce qui m'a impressionné dans la façon dont Chris développait l'histoire, c'est qu'elle s'est développée de manière vraiment organique. Je le décris toujours comme une spirale. Il raconte l'histoire de cet extraterrestre. Puis cet extraterrestre rencontre cette petite fille. OK, eh bien, cette petite fille a besoin d'une famille, donc il y a une grande soeur. Ces personnages se développent simplement, puis quelqu'un le poursuit. D'où vient cet extraterrestre ? Eh bien, il y a cette Fédération Galactique. Ensuite, tous ces personnages commencent à se remplir.

DeBlois: Il y a un moment étrange et magique où une fois que vous avez travaillé dessus assez longtemps, le film commence à vous dire ce qu'il veut. Il rejettera les choses qui lui semblent inutiles ou qui lui sont imposées. Mais il demandera aussi les moments dont il a besoin. Il est juste devenu clair en le regardant encore et encore que les équilibres devaient être constamment modifiés jusqu'à ce que nous trouvions cette danse entre la sincérité et le ridicule.

Piscine : Je pense que Chris et Dean étaient un bon équilibre l'un pour l'autre. Chris aurait ces idées folles à propos de cela pourrait arriver et cela pourrait arriver et cela pourrait arriver, et il semblait parfois que Dean était celui qui avait aidé à comprendre le tissu conjonctif.

Ponceuses : Roy Disney a provoqué l'un des plus grands changements du film. Lors d'une réunion, il a déclaré: "J'aimais Stitch quand je pensais qu'il était un bébé. Mais quand j'ai réalisé que c'était un adulte qui était en charge de toute cette bande d'extraterrestres, je ne l'aimais pas autant." J'ai pensé, d'accord, c'est une note trop grosse ; nous devons nous en occuper maintenant. J'ai dit: "D'accord, si nous ne faisions que Stitch, peut-être qu'ils le déplacent dans un bocal et que des personnes ou des extraterrestres en combinaison de matières dangereuses le manipulent. C'est presque comme s'il était un virus." La pièce est devenue vraiment silencieuse. J'ai regardé Tom, et Tom me regardait et il n'a pas détourné le regard. J'ai dit: "L'équivalent d'un virus serait une mutation génétique. Si Stitch était une mutation génétique, alors il peut être le problème par lui-même. Nous pouvons éliminer tous ces autres personnages." Nous sommes donc allés à la réunion et il y avait toute une bande d'extraterrestres, et nous avons quitté la réunion et il n'y avait plus d'extraterrestres. Tous ces gens ne savaient pas, mais leurs parties ont été coupées.

À ce moment-là, nous avions déjà enregistré Ricardo Montalbán comme l'un des méchants. Oops désolé. Il était vraiment sympa, et je l'avais persuadé de faire sa voix de Wrath of Khan. Pendant la session d'enregistrement, je n'arrêtais pas de dire : "Eh bien, pourriez-vous le faire peut-être un peu comme ça, ou un peu plus comme ça ?" Je ne voulais pas juste sortir et le dire. Il a continué à faire toutes ces voix différentes et travaillait si dur. J'ai finalement dit : "Pouvez-vous juste faire la voix que vous avez faite dans Wrath of Khan ?" Il était comme, "Oh, TU VEUX COMME ÇA?" Et il l'a fait ! Et puis - c'est pourquoi je ne veux jamais être producteur - le producteur a dû passer l'appel téléphonique et dire: "Malheureusement, nous avons retiré votre personnage du film."

Sanford : Dès le début, Chris et moi sommes allés à Laguna Beach. Il avait un Sharpie et un bloc-notes et nous avions des ailes et de la bière, et nous avons parlé de l'histoire. Il était vraiment catégorique sur le fait que Stitch n'avait pas à retourner dans l'espace. Il voulait que Stitch trouve un foyer avec sa petite fille et sa sœur. Il a dit : « Je n'arrive pas à comprendre comment justifier qu'ils restent. La grande conseillère va le reprendre. J'ai dit: "Attendez une minute. Quand Lilo a adopté Stitch, elle a dû payer de l'argent, non?" Il a dit : "Oui." J'ai dit: "Eh bien, elle a un reçu. Si la grande conseillère l'emmène, c'est du vol." C'est donc de là que vient cette scène à la fin, où Lilo tient juste le reçu.

Ponceuses : Nous avons eu une sélection interne en Californie. Parfois, des choses grandes, géantes et évidentes, elles vous manquent parce que vous êtes tellement occupé à vous occuper d'autres choses. J'ai dit à haute voix : "Stitch passe du mal au bien, mais nous n'avons aucune raison pour qu'il passe du mal au bien." Puis nous avons réalisé, "Oh, Ohana doit être la chose qui le change." Nous avons donc commencé à l'intégrer beaucoup plus ouvertement dans le film.

DeBlois: À la fin du film, à l'origine, Stitch a pris conscience et s'est rendu compte qu'il devait s'en prendre à Lilo après qu'elle ait été endormie par le capitaine Gantu et qu'elle ait été emmenée dans son navire. Stitch était toujours dangereusement irresponsable. Il finit par voler un 747 à l'aéroport et le pilote dans une poursuite avec le capitaine Gantu à travers le centre-ville d'Honolulu. Le train d'atterrissage sort et ils s'éloignent des bâtiments, et le verre se brise et pleut dans les rues. C'était fini et en couleur. Et puis le 11 septembre est arrivé.

Schumacher : J'étais bicoastal à cette époque. Beaucoup de gens de Disney étaient à New York parce que lundi, le 10 septembre, était le service commémoratif pour notre alors chef de travail pour le théâtre, un homme vraiment charmant. Tout le monde devait rentrer chez lui mardi. Et puis le 11 septembre arrive. Vingt personnes se retrouvent dans mon petit appartement de Central Park South. Puis mon téléphone sonne, et c'est Chris qui dit : "Tom, qu'est-ce qu'on va faire ?" J'ai dit: "Chris, eh bien, c'est difficile, mais je vais essayer de ramener tout le monde à la maison." Et il a dit : "Non, non. Qu'allons-nous faire de la poursuite finale dans le film ?" Je suis comme, "Putain de merde!" Cette scène est passée de drôle et scandaleuse à horrible, tragique et traumatisante. Je pense que le lendemain, il m'a appelé et m'a dit : "Voilà ce que je vais faire. Je vais boucler le 747. Ils vont prendre le vaisseau de Jumba." Ils ont juste tout reskinné.

DeBlois: Nous avons conservé la séquence, mais les gratte-ciel du centre-ville d'Honolulu sont devenus des canyons de montagne. Et le 747 volé est devenu le navire dans lequel Jumba était arrivé à l'origine. Nous avons gardé le rythme de la séquence plus ou moins le même, mais nous avons dû changer beaucoup de références évidentes.

Ponceuses : Le pauvre gars avec le cornet de glace allait traverser la rue à Honolulu. Maintenant, il est à Kauai sur la plage et se fait démonter son truc.

Lilo & Stitch avait été produit tranquillement et pour relativement peu d'argent en Floride. Mais finalement, la direction de Disney – sans parler du public – aurait besoin de le voir. Le monde de l'animation a radicalement changé au fil des ans. Le premier long métrage de Pixar, Toy Story, avait été un énorme succès en 1995, et au moment où Lilo & Stitch a ouvert ses portes en 2002, l'animation générée par ordinateur était devenue dominante (avec A Bug's Life, Toy Story 2 et Monsters, Inc. dans les années intermédiaires). Cela a fait de Lilo & Stitch une sorte de retour en arrière. Et pourtant, c'était aussi tout à fait nouveau. Malgré toutes ses qualités décalées, Lilo & Stitch était prophétique: il a probablement plus en commun avec les succès ultérieurs de Disney comme Frozen, Moana et Encanto, qui mettent également en avant une protagoniste féminine sans complot de mariage. Et ce serait un succès. Bien que son box-office ne se rapproche pas des classiques de la Renaissance de Disney comme Aladdin ou Le Roi Lion (Lilo & Stitch a rapporté 273 millions de dollars dans le monde, tandis que Le Roi Lion a rapporté 1,06 milliard de dollars après plusieurs rééditions), il a fait de bonnes affaires par rapport aux mastodontes coûteux comme The Emperor's New Groove (169 millions de dollars) et Atlantis: The Lost Empire (186 millions de dollars). Il inspirerait également trois suites directes en vidéo ainsi que plusieurs séries télévisées et jeux vidéo.

Ponceuses : Michael Eisner ne l'a pas vu jusqu'à ce qu'il soit terminé. Michael Eisner l'a vu quand il était en couleur, il y avait de la musique, il était à peu près complètement terminé. Tout le monde était nerveux, comme, Oh mon Dieu, nous avons fait un film et nous ne l'avons jamais dit à Michael Eisner. Nous sommes donc sortis de la projection et Michael Eisner se tenait là, et il est si grand, et il a dit : "Chris, Dean. J'ai vraiment aimé ça. J'aime ça. Je ne peux pas vraiment l'expliquer. Je n'ai jamais vu quelque chose comme ça… mais j'aime ça. C'est tellement difficile à expliquer… mais j'aime vraiment ça.

Schumacher : Au moment où le film est sorti, il y avait beaucoup de frustration que ce ne soit pas CG. Les responsables du marketing ont demandé : "Eh bien, comment pouvons-nous sortir ce film ? Ce n'est pas du CG." Il y a même eu une suggestion d'un acteur très important que nous fassions la publicité en CG. J'ai dit: "Cela semble un peu malhonnête." Le film fonctionne parce que ce n'est pas CG. Vous pouvez me montrer une feuille de Pocahontas, Hercule, Mulan, Lilo & Stitch - une feuille - et je vous dirai de quel film elle provient. Parce que si c'était d'Hercule, ça a un côté Gerald Scarfe. Si c'est Pocahontas, il y a une couture qui monte, et il y a une couleur ici, une couleur là. Lilo va être aquarelle. Ils ont tous l'air différents. Il y a une similitude dans laquelle vous pouvez entrer à moins que les gens ne repoussent vraiment les limites. Ayant travaillé dans les deux, ce film était une telle célébration de l'animation dessinée à la main.

Je n'arrêtais pas de me faire dire par les publicistes : "Personne ne se soucie des aquarelles". J'ai dit: "Nous allons leur apprendre ce que c'est." Nous sommes allés au Festival de Cannes pour le promouvoir. Clark, Dean, Chris, moi. Roy et Patty nous y ont emmenés sur Air Roy, un 737 privé qu'ils possédaient. Je pense que nous avons mis 500 journalistes dans un cours où ils ont appris à peindre à l'aquarelle. Ils ont tous reçu un kit avec exactement les quatre couleurs de peinture dont vous aviez besoin, du sel gemme, et vous deviez faire flotter votre peinture sur le papier humide. C'était incroyable.

Carrière: J'ai juste pensé, "C'est tellement beau." Les peintures de ces endroits à Hawaï ressemblent à de vrais endroits spécifiques, pas à un rendu à grands traits d'une île tropicale indéfinissable, vous savez? Les maisons sont comme les maisons autour desquelles j'ai grandi. Nani ressemble à ce à quoi ressemblerait une fille locale, avec la robustesse de ses jambes et de son corps. Elle n'est pas comme Cendrillon peinte en marron. J'adore le fait que Chris et Dean étaient conscients de ce qu'ils mettaient devant le monde. Il était tellement en avance sur son temps à bien des niveaux. Les services sociaux, le frère aîné prenant soin du frère cadet et le chaos et le chaos qui s'ensuivent, que cette famille est une sorte de cette étrange distribution de personnages que vous bricolez et qui se soutiennent mutuellement. Je pense que c'est un thème tout à fait moderne. Dire que nous avons fait cela il y a 20 ans est assez incroyable. Aussi, pour avoir l'histoire indigène, l'histoire de la population locale au premier plan à Hawaï, alors que Hawaï serait généralement la belle toile de fond fétichisée pour les personnages principaux caucasiens. À tant de niveaux, j'étais si fier de pouvoir représenter Hawaï.

McDonald : Je vais vous dire la vérité. C'était mieux que je ne le pensais. Il y a deux dessins animés sur lesquels on me pose tout le temps des questions : Lilo & Stitch et Invader Zim. Invader Zim sont les gens qui étaient jeunes et qui ont grandi pour devenir des fans de Kids in the Hall. Les fans de Lilo & Stitch viennent généralement d'un autre monde. Généralement, c'est une famille. Les parents sont dans la quarantaine ou au début de la cinquantaine, et ils ont une fille de 26 ans qui est vraiment timide parce que je suis Pleakley. J'ai rencontré 100 familles comme ça. Ce sera probablement la chose qu'ils diront quand je mourrai. Ce ne sera pas Kids in the Hall, ce sera "Comédien vocal de Lilo & Stitch". Pour mon goût personnel, étant un Kid in the Hall avec un sens de l'humour noir, je lui donne… deux étoiles et demie. [Rires.] Oh mon Dieu, j'espère que Dean ne lira pas ceci. Mais non, j'aime vraiment ça ! C'est bon, c'est bon ! Pourtant, deux étoiles et demie.

Brillant: Dans n'importe quelle culture, s'il y a un film qui est fait sur la culture et avec la culture, ils vont être très prudents et critiques. Je pense que les gens à Hawaï étaient ravis que Disney fasse quelque chose à propos d'Hawaï. Mais à tout moment, il y aura du positif et du négatif. Je pense donc qu'il y a eu des réactions mitigées.

Li : J'ai été agréablement surpris. En prenant un fantasme et en l'appliquant à un ouvrier, et en décrivant vraiment la situation socio-économique dans la vie de nombreux habitants ici. Tout ce qui concerne la sœur aînée élevant la sœur cadette - c'est réel. Je veux dire, ces histoires tiennent toujours. Vous ne voyez pas souvent des animations Disney comme ça.

Bêta : Je vais tout le temps à Disney. Les petites filles se promèneront en costumes de Lilo. Je marche jusqu'aux parents. Je dis : « J'ai travaillé sur ce film. Merci beaucoup d'avoir permis à votre fille de s'habiller comme Lilo. Parce que c'est tellement beau pour moi de voir que 20 ans plus tard, les enfants le portent toujours.

Déjà : Je l'aime. Et ce n'est pas toujours le cas. Je n'aime pas toujours la version finale, parce que la version finale, c'est quand vous êtes assis là et que vous dites : "Eh bien, c'est comme ça." Vous ne pouvez pas revenir en arrière et dire : "Puis-je avoir la séquence 13, scène quatre ?" J'ai tout simplement adoré. Comme tout le public, j'ai ri et pleuré et je me suis vraiment impliqué. J'ai pensé, c'est l'un de nos meilleurs. J'insiste sur le fait que si Lilo & Stitch était sorti juste après le Roi Lion, cela aurait fait deux fois plus d'affaires. Je le sais, parce que nous roulions si haut et ensuite nous avons fait quelques films après Lion King qui n'ont pas non plus touché le public. L'animation a donc un peu ralenti. Lilo & Stitch l'ont remis en place.

Ponceuses : Nous étions au bon endroit au bon moment. Tom Schumacher était là pour protéger ce film. Tant de personnes étaient au bon endroit au bon moment qui nous ont aidés à Hawaï. J'imagine combien de fois cela aurait pu mal tourner. Cela me fait presque paniquer maintenant, juste en pensant au nombre de quasi-accidents que cette chose a probablement eus. C'était comme lancer un strike au bowling. Vous vous dites : « Ça va le faire, ça va le faire », et vous touchez ça, et ça ne se reproduira peut-être plus jamais.

Schumacher : Les deux films sur lesquels on me pose plus de questions sont Emperor's New Groove et Lilo & Stitch. Ces deux films, à leur propre moment, les gens disaient : "Qu'est-ce qu'ils font ?" Je ne pense pas que tout ce sur quoi j'ai travaillé ait été plus douloureux que le nouveau groove d'Emperor. J'ai ressenti beaucoup de culpabilité à propos de ce film pendant très longtemps parce que les gens de l'entreprise étaient si abusifs à ce sujet. Mais Lilo & Stitch vit dans le cœur de très nombreuses personnes.

Ne perdez pas de vue ce que dit réellement ce film. Que voici ces deux jeunes femmes, qui sont seules à travers la tragédie, et qu'elles fondent une famille, n'est-ce pas ? Ce film parle tellement de gentillesse et d'embrasser l'autre. Je ne peux pas regarder le film sans pleurer. Quand Stitch sort et dit "Je suis perdu". Comment quelqu'un peut-il regarder ça et ne pas déchirer? Et son amour inconditionnel pour lui. Le sacrifice, la patience, le fait d'essayer de comprendre la pensée de l'autre ? Comment le voit-il ? Ils font ça et qu'ils construisent cette famille, et Pleakley et Jumba viennent à leur manière faire partie de cette famille. C'est leur famille - c'est brisé, mais c'est leur famille. L'idée que des enfants regardent quelque chose sur une famille éclatée et brisée, mais sachant que s'ils se soucient les uns des autres, ils peuvent construire une voie à suivre.

Brillant: L'un des enfants de la chorale l'a dit le mieux récemment. Il a dit: "Quand nous étions enfants, nous pensions que c'était un grand film de Disney. Voici cet extraterrestre, et c'est juste un film amusant." Mais maintenant qu'il est adulte et qu'il y repense, dit-il, il voit ce message sur la famille. Peu importe votre taille ou vos différences, une famille est spéciale. Maintenant, il est adulte et il le regarde d'une manière différente.

Ponceuses : À la toute fin, j'étais assis à mon bureau et Tom Schumacher a appelé, et il a dit : "Chris, si tu avais une minute de plus, que ferais-tu sur ce film ?" J'ai dit: "Eh bien, je ferais un post-scriptum au film. Je montrerais leur vie après la fin du film." Il a dit: "Vous avez tellement respecté votre budget, il vous reste quelques millions de dollars. Faites cette fin." Nous avons ajouté ces deux minutes, et je pense que cela a totalement changé le film.

Schumacher : Je pense à toute cette célébration à la fin du film, quand vous les voyez tous ensemble, avec les photos et tout, et que vous les voyez skier et tout. Je pense qu'il dit simplement : "Nous pouvons tous fonder nos propres familles". Pour ceux d'entre nous qui ont dû faire cela, je pense que son héritage est le suivant : c'est magnifique. Je pense que pour l'industrie, voir ce que ces artistes pourraient faire est extraordinaire, et je pense que ses thèmes réels sont aussi précieux ou plus précieux aujourd'hui qu'ils ne l'ont jamais été.

Ponceuses : Un de mes collègues m'a probablement fait le plus grand compliment. Il a dit: "Lilo & Stitch est la chose la plus proche d'un film de Miyazaki que Disney Studios fera jamais." Parce qu'il a vraiment cette sorte de signature originale et individuelle qui ne peut pas survivre au processus normal que ces choses traversent. Nous avons pu le faire parce que, premièrement, Tom Schumacher était prêt à prendre le risque de me laisser diriger ce film. Et puis il a pris le risque de le cacher du studio au sens large.

Le succès de Lilo & Stitch en 2002 a été l'un des triomphes du studio floridien. Mais cela s'est avéré être de courte durée. Disney commençait déjà à s'éloigner de l'animation dessinée à la main au moment où Brother Bear, également produit au studio de Floride, a ouvert ses portes en 2003. Roy Disney, longtemps considéré comme un champion du département d'animation, était parti en novembre au milieu d'une lutte de pouvoir avec Eisner. Après une série de projets annulés, de réductions de salaire et de licenciements, la société a finalement fermé le studio de Floride en janvier 2004, licenciant plus de 250 animateurs, techniciens et autres dans le processus. Dans une déclaration à l'époque, David Stainton a déclaré : "Le fait que tout le groupe d'animation travaille ensemble à Burbank sous un même toit améliorera encore notre processus de réalisation" yeux de Burbank.

Obturateur: Nous étions complètement pris au dépourvu. Je me souviens du jour où c'est arrivé. Ils ont dit que David Stainton et Pam Coates arrivaient par avion. C'était un vendredi. J'ai dit: "Ils le sont? Oh, ce n'est pas bon." Kevin le PA, il recevait le chariot de glaces parce que d'habitude, quand ils venaient pour une réunion, ils avaient de la glace. Il a dit : "Non. Ils viennent juste manger une glace avec l'équipe." J'ai dit : "Non, les mauvaises nouvelles arrivent un vendredi. Je ne sais pas ce que c'est, mais ce sont de mauvaises nouvelles." Nous travaillions sur A Few Good Ghosts. Ce film a subi tellement de changements – il s'appelait My Peoples, A Few Good Ghosts, Angel and Her No Good Sister. Dolly Parton y jouait.

Manteaux: J'ai adoré cet atelier. Quand nous avons pris la décision de fermer le studio, j'ai dit : "Non, je prends l'avion. Ce sont mes gens." J'étais le cadre qui avait passé le plus de temps dans ce studio. J'avais d'abord pris l'avion là-bas et j'avais fait Trail Mix-Up puis Mulan. J'aimais ces gens. Je les connaissais de nom. C'était fou parce que vous connaissiez leurs familles. Vous aviez été à des barbecues avec leurs familles. Ce n'étaient pas des chiffres sur un morceau de papier qui disait : « Hé, nous nous sommes développés trop rapidement. J'ai donc senti que je devais me tenir devant ces gens.

Obturateur: Ce fut probablement le jour le plus triste de ma vie. Workwise à coup sûr. Les gens se sont évanouis et sont tombés par terre à genoux en pleurant. Hommes adultes pleurant. C'était mauvais. Ce beau rêve s'est terminé en un clin d'œil. C'était parti. C'était horrible. Les gens ont le zona, les gens ont l'insomnie. Tout le monde est tombé malade après, physiquement malade. Vous devez faire face à cette perte, puis vous devez trouver le prochain concert. Cela arrive tellement dans l'industrie du cinéma.

Schumacher : J'étais en Floride il y a quelques années, juste avant que la pandémie n'éclate. J'étais en train de lancer Aladdin au Mexique, la pièce. J'ai dit : "Puis-je aller voir l'ancien studio d'animation ?" Ça m'a juste donné envie de vomir, j'avais tellement le cœur brisé.

Obturateur: Au fur et à mesure que les années passaient et que je travaillais pour d'autres studios, j'ai réalisé qu'il n'y avait pas de meilleur environnement de travail que celui que nous avions là-bas. Nous étions tous de jeunes enfants quand nous avons commencé. Nous avons tous grandi ensemble, comme une famille. Il n'y avait pas cette hiérarchie entre la couche supérieure, la couche intermédiaire, puis les gars en bas qui pelletaient du charbon dans le Titanic. Il y a eu cette collaboration qui est allée de haut en bas. Nous étions juste ce petit studio ici essayant de s'accrocher aux ficelles du tablier de ce qui se passait en Californie.

Ponceuses :En ce qui concerne l'animation traditionnelle, la Floride était là où elle en était.

Obturateur: C'est parti. C'est parti. Est-ce que ça va revenir ? Je ne sais pas. J'ai regardé Klaus, de Sergio Pablos. Beau. Toutes ces lignes de la Belle au Bois Dormant. Mais je ne sais pas. Il est peut-être parti. Il faut tellement de temps pour arriver à ce niveau d'expertise. La plupart des animateurs vivent la même chose : vous obtenez d'abord le personnage et vous ne faites que dessiner les scènes. Ensuite, vous êtes sur le film pendant un an, un an et demi, deux ans. À la fin, c'est comme si vous viviez le personnage. Ils veulent tous revenir aux premières scènes et les réparer et les changer parce qu'ils sont devenus si bons pour comprendre le personnage et comment ils bougent et le travail de ligne et la pose et les gestes. Vous atteignez un tel niveau de compétence lorsque vous le faites, film après film après film, que vous continuez à vous améliorer. Ce n'est pas comme si vous pouviez prendre un groupe d'animateurs 2D qui n'ont pas dessiné depuis dix ou cinq ans et les jeter sur un film. Il faut du temps pour arriver à ce niveau. À moins qu'ils ne puissent monter un studio, vous n'allez pas retrouver ce niveau. Donc, en ce qui concerne les trucs dessinés à la main, ouais. Je ne sais pas, mec. Peut-être disparu pour les fonctionnalités.

En fait, j'ai du mal à regarder l'animation maintenant parce que je vois les mêmes expressions, gestes, mouvements de la main, tout. Tout le monde utilise simplement les mêmes choses encore et encore. C'est cette formule d'animation. Je ne vois plus l'unicité. Je regarde des films d'action et vous avez un acteur, n'est-ce pas ? Et l'acteur peut changer de personnage. Il peut changer de personnage. Il peut rire d'une certaine manière dans une scène, il peut mettre un accent dans une autre. Il peut marcher dans un style différent. Un bon acteur se changera. Mais dans l'animation, ils semblent simplement saisir une impression de formule et la brancher. C'est une chose plug-and-play. Vous connaissez ce dicton, "Mort par destruction massive" ? J'avais l'habitude de dire, "La vie par la destruction des maths." Vous devez tuer les maths. Si vous pouvez voir la courbe bayésienne, si vous pouvez sentir le timing, c'est mathématique. Vous devez tuer les maths pour qu'il se sente vivant.

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